El arte ¿De verdad es morirte de frío?

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En principio, esto sólo es un chiste. Un juego de palabras, pero a veces, si lo pienso en serio, encierra una gran parte de verdad.

Como todos sabemos, aunque la palabra “arte” tenga su propia definición, en la práctica es algo mucho más subjetivo.

Yo soy fotógrafa, pero no considero que siempre esté haciendo arte cuando hago una foto, cuando trabajo en stock donde sólo quiero sacar bonito o delicioso un plato de comida o hacer un paisaje que quede natural y colorido, no siento que haga arte. Siento que congelo una imagen y le saco potencial, pero no creo que transmita nada más que belleza pura y dura en ello (y eso cuando me sale bien).

Cuando hago mi trabajo más artístico es diferente y ahí es donde comienzan los problemas. Me he dado cuenta de que muchos a los que conozco, entre los que me incluyo, buscamos en el arte algo muy personal. MUY personal. Eso, en principio, no es nada malo, si algo tiene el arte es que te permite expresar quién eres, qué te pasa por la cabeza, qué sientes, qué sueñas. Pero es solitario. Muy solitario.

¿Hasta qué punto podemos obsesionarnos tanto con sacar nuestro yo más profundo para que deje de ser algo divertido? ¿O algo que podamos compartir con otros?

Cuando hablo de compartir, no hablo de que alguien venga presencialmente a nuestras sesiones, o coja nuestra cámara y apriete el botón con nuestras indicaciones, hablo de que se implique realmente en el proceso creativo y experimentemos con lo que tenemos dentro y lo que nos pueden aportar fuera.

Tampoco hablo de unir distintas ramas, no hablo de fotolibros donde uno hace el texto y otro la imagen o foto ilustración donde pueda pasar igual. Hablo de hacer una fotografía entre dos o tres fotógrafos, por ejemplo ¿Se perdería así la autenticidad de toda la obra? ¿O finalmente seguiría siendo el estilo del fotógrafo pero lo habría hecho dentro de un equipo creativo?

El otro día, hablando con mi novio, hablamos de muchos grandes pintores de la historia, o escritores, que vivieron y murieron solos y tristes, y ya después de muertos, es su obra la que vale millones, incluso aunque objetivamente pueda ser más o menos buena, se vende por su contexto, por quienes eran ellos y por cómo vivían. Por cómo de triste fue su vida y el arte que hicieron mientras tanto. Se vende su obra por su historia, primordialmente. Pero, mientras vivieron, fueron  muy desgraciados.

¿Tanto vale hacer un arte tan individual? ¿Es tan importante demostrar constantemente nuestro yo? ¿Es tan importante expresar unos sentimientos, a veces, incluso, fingir unos sentimientos o exagerarlos para vender nuestra obra? ¿Es tan importante ocultar todo nuestro proceso creativo, como si fuera un truco de magia, sólo para mantener la individualidad y el misticismo?

Esto es sólo una reflexión que me planteé durante el tiempo sin disparador, por mi dificultad, muchas veces, de delegar o confiar en otros para completar mis proyectos, sobretodo los que son largos, como un 365, donde la influencia o apoyo, incluso ayuda de otros, puede ser tan importante. Donde la profesionalidad no debería quitar tiempo a la diversión, a los recuerdos, a ver unas fotos y decir “este día realmente lo pasé genial”.

Una vez llegados aquí, esto es sólo un punto de vista, mi opinión, de verdad que me encantaría, que os gustase reflexionar sobre esto y, si queréis, debatirlo conmigo, genial también 😀

 

 

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Consejos para hacer un 365

Hace poco me preguntaron por instagram que qué consejos daría para llevar a cabo un 365.

Para los que no sepan qué es este proyecto, en mi caso, la fotografía, es hacer una foto diaria durante un año. Puedes hacer uno con temática general, o puedes hacer uno con temática específica, como el blanco y negro, los retratos, los macros…

Hice una entrada hace tiempo sobre qué era un 365, así que por aquí no me centraré más en explicarlo y pasaré directamente a contestar la pregunta sobre los consejos.

Consejo número 1: sé previsor, no seas como yo u.u

¿Por qué digo esto? Porque me lancé como loca al 365 sin darme cuenta de algo tan importante como que me había traído el disparador remoto a medias y el que estaba entero, ya no funcionaba, así que he tenido que parar el proyecto un par de días (al final, por suerte, menos tiempo del que esperaba). Si vas a empezar un proyecto tan grande y tienes más o menos una idea de por dónde quieres encaminarlo, intenta tener lo máximo preparado para ello. Esto incluye, en caso de la fotografía: cámara, un par de baterías (dos mejor que una, pero lo que permita el bolsillo), un objetivo funcional, material para mantenimiento de la cámara y, MUY importante, un cuaderno.

Consejo número 2: el cuaderno ¿Para qué?

Creo que todos pensamos que se nos pueden ocurrir cosas cada día o que podemos improvisar con facilidad cuando nos metemos en un proyecto así, al fin y al cabo, cosas pasan todos los días y llevar la cámara encima siempre te puede dar opciones a la hora de hacer tu foto… pero, yo ya dejé un proyecto a medias (en el día 187) y os diré una cosa, con el 365 te das cuenta de cómo de rutinas son las rutinas xD. Cuando llevas ya más de 50 días haciendo fotos improvisadas, las ideas empiezan a terminarse y tu entorno y tu rutina del día a día empieza a estar más que explotada. Por eso hace falta el cuaderno, te permite ir organizando tus ideas, ir tachando las que ya estén hechas, te permite ir apuntando qué recorridos tienes ya fotografiados, qué opciones nuevas te van apareciendo, qué planes con amigos o familia te pueden dar un extra de motivación/inspiración para hacer tus fotos, qué te gustaría fotografiar y no quieres que se olvide… todo eso es MUY importante.

Consejo número 3: inspiración paralela

No hay que dejar nunca, y menos en un proyecto como este, de absorber inspiración, contenido cultural de la índole que sea, para ir manteniendo la mente fresca. Así que, si te decides a empezar un proyecto así, ten en mente qué series, películas, libros, cuadros, exposiciones, videojuegos… tienes pendientes, te gustaría ver, volver a ver, re-leer… lo que sea, dentro de las cosas que más te inspiren. Una mente que no come es una mente que, al final, no crea.

Consejo número 4: organízate

Quizá en un principio no pienses en cuánto tiempo y esfuerzo requiere un proyecto así, pero es mucho. MUCHO. Tienes que plantearte la idea de la foto, llevar tu cámara, captar la foto como quieres, llegar a casa, pasarla al ordenador, retocarla, quizá subirla a alguna red social donde compartas el proyecto… cuando te quieres dar cuenta, se te han ido unas cuantas horas en esto, así que piensa si tienes (y si quieres) tiempo para sacrificar, porque llevar al día el proyecto y además dar un contenido de calidad, que te haga esforzarte por mejorar, va a ser intenso. Se puede compaginar con estudios/trabajo y cualquier cosa así, no os preocupéis, pero es posible que os quite más de un día tiempo de ocio, de reuniones sociales, incluso de comer o dormir dependiendo de la envergadura de vuestro proyecto concreto, así que antes de agobiaros y empezar a dejar cosas a medias, es mejor organizarse bien.

Consejo número 5 y último: Motívate

Este quizá es el consejo más personal, no sé si todas las personas necesitarán motivación extra, hay personas muy entusiastas que pueden llevar con gracia y salero cualquier trabajo por duro que sea, pero otras, como yo, necesitamos mucha motivación.

Un proyecto así, en el que además quieres ir mejorando, implica, muchas veces, tener que entrenar la resistencia a la frustración. Habrá días que estés enfermo, tengas que entregar trabajos, no hayas dormido bien, estés triste, tu familia o amigos te necesiten para cualquier cosa y tengas que improvisar sobre la marcha o apechugar y rascarte el coco para que salga alguna foto decente. Quizá al final del día veas la foto que has hecho y te parezca horrible, con prisas y cogida por los pelos y sientas que tu ánimo decae con respecto al proyecto. ESTO ES PERFECTAMENTE NORMAL.

No te dejes llevar por la frustración o por la “mala suerte”, no te desmotives, no pienses que no podrás hacerlo ni pienses que estás empeorando por momentos. No caigas en creer que el estrés o la resignación harán demasiada mella en ti y piensa que casi todos los que hacemos un proyecto así caemos en lo mismo. Un año es mucho más tiempo del que parece y tener que mantener una rutina que implique creación, inspiración y trabajo todos los días sin más reconocimiento que el esfuerzo propio, a veces puede ser muy duro. Así que mantente motivado, piensa que una mala foto, un mal día, puede traer una foto magnífica al día siguiente. Un día malo es un día malo, pero el haber superado los baches y haber entendido que nadie es fantástico 24/7 puede valer más que todo eso.

 

Estos son mis principales consejos para llevar a cabo este proyecto. Seguiré haciendo entradas en el blog con todas las preguntas que me hagáis por Facebook, Ask, e Instagram.

Si queréis seguir mi proyecto, lo tendréis en su totalidad en mi instagram, que, después de esta pequeña pausa de un par de días, volveré a la carga ^^

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Espero que os haya sido muy útil 😀

Retoque sencillo – las capas

Hace un tiempo me preguntaron por ask el retoque de una de mis fotos, concretamente un retrato.

Fue un retoque bastante sencillo así que os voy a poner el antes/después y una captura de las capas de ajuste que utilicé.

La foto en cuestión es:

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Como podéis ver, los cambios realmente no son tan grandes, el retoque se ha basado en color, contraste y recorte para eliminar partes de la imagen inicial que, creo, distraían del sujeto central.

Algunas de las capas de ajuste que utilicé son capas que ya he ido describiendo un poco en otras entradas del blog. Aquí os dejo la captura:

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Aquí podéis ver que he usado varias capas de “color balance”. No sé si lo ideal es hacer varias capas diferentes o trabajarlo todo en una, pero a mí me gusta más tener las variaciones de color por separado.

En una de ellas, además, podéis ver cómo, en la máscara de capa, he seleccionado las partes en las que no quería que el efecto estuviera.

Otra de las capas que se repite es la de mapa de degradado (gradient map). Soy MUY fan de los mapas de degradado, ahora trabajo con los que tengo hechos y los que sigo haciendo sobre la marcha.

Hace un tiempo, estuve regalando un pack de gradientes a las personas que compartieran mi página con todos los que suelo usar, así que muchos de vosotros ya conocéis un poco cuales son mis favoritos o, digamos, con cuales trabajo casi siempre.

Hay otra capa de brillo/contraste, aunque he de decir que casi siempre suelo trabajar más con curvas. Creo que es más completo y te permite variar más y tocar más no sólo la foto en general sino también por canales, pero esta vez me decanté por algo más sencillo, ya que la foto en sí ya me gustaba y los retoques son bastante leves.

La capa de “vibrance” como ya comenté en la entrada anterior, lo que hace es subir la intensidad de los colores que en la fotografía están más apagados, respetando los que son más intensos.

La capa que veis, toda en gris, es un filtro de paso alto. No siempre suelo usarlo porque en fotografías como esta, que no fueron hechas con demasiada luz y con el ISO tal vez un poco alto, puede destacar de más el grano, pero a su vez le da más nitidez, en esta ocasión me pareció que el efecto quedaba muy bien. Para que el efecto sea más intenso, el modo de fusión debe ser “overlay” (que ahora mismo no recuerdo cómo se dice en castellano, pero creo que es superponer) pero si queréis un efecto más suave, podéis ponerlo en “soft light” (luz suave)

En la última capa, la de más arriba lo que hice fue darle un poco más de brillo a los ojos.

Básicamente eso es todo, aquí tenéis un procesado sencillo (mío, a mi forma de ver, sencillo) de un retrato. Os daría los parámetros concretos, las variaciones que he usado, pero como cada fotografía pide algo diferente, creo que tampoco sería de mucha ayuda.

Espero que, aun así, viendo las capas que he utilizado, os sea de ayuda para ir probando, o ir siguiendo un camino que quizá no hayáis hecho antes, o usando capas de ajuste que no hayáis probado.

Espero que os haya sido útil 😀

Potenciar el color en las fotografías

Hola a todos, tras un tiempo de vacaciones (más largo del que había pensado) vuelvo a actualizar el blog y esta vez os traigo algunos tips para potenciar el color en vuestras fotografías de mano de dos de mis capas de ajuste favoritas de photoshop que es “color balance” y “hue/saturation”.

Lo pongo en inglés porque es como tengo yo el photoshop, pero me imagino que será balance de color y tono/saturación.

Hace poco me mudé por fin a vivir al campo, así que para estrenar el lugar hice una sesión de fotos, aquí abajo os voy a dejar los before/after para que veáis la diferencia.

 

He elegido concretamente estas fotografías para enseñaros a usar bien la herramienta de “color balance” porque es una de mis favoritas para hacer estas cosas.

Básicamente, lo que hace esta capa de ajuste, es modificar el color, por separado, de los tonos medios, las luces, y las sombras.

Es posible que en la imagen de la izquierda no se note tanto, pero en la de la derecha, se nota, que aunque los verdes y los rojos predominan en las sombras, haciendo que sean más cálidas, todo el pelo, que la capa interpreta como luces, al ser gris/blanco, tira más hacia tonos fríos. ¿Qué significa esto? Muchas veces al darle temperatura de color a nuestra foto, toda la fotografía cambia sus tonos hacia unos más cálidos, pero, a veces, no queremos que las sombras sean cálidas o que lo sean las luces, con esta herramienta podremos cambiarlo.

En balance de color tenemos 3 variables, tanto en luces, como en sombras y en tonos medios, tenemos una variable que va del amarillo al azul, otra del cyan al rojo y otra del verde al magenta. Las tres son totalmente regulables y, aunque los extremos nunca son buenos y yo no recomendaría usarlos, todo es cuestión del gusto del fotógrafo. Lo cierto es que con diferentes variaciones conseguimos diferentes efectos, que pueden cambiar totalmente una fotografía.

Además, en las sombras, por ejemplo, al utilizar tonos que varían hacia lo más oscuro, que serían el rojo, el azul y el magenta, hacemos que las sombras sean mucho más profundas y haya mayor contraste.

Os invito a que hagáis tantas pruebas como sea necesario para que le pilléis el truco y el gusto a esta herramienta. Para empezar, de la forma más básica, podéis ir comprobando cómo cambian los tonos medios al usar esta herramienta, como podéis hacerla fácilmente más cálida o fría usando tanto el nivel azul-amarillo, como el cyan-rojo.

No olvidéis que esta capa de ajuste puede ser utilizada en cualquier modo y podéis también jugar con su opacidad.

 

Una vez llegados aquí, hablemos de tono/saturación.

Yo siempre utilizo esta capa de ajuste por gamas de colores, es decir, nunca en la foto completa, si no en rojos, verdes, amarillos…. de hecho en estas fotografías de arriba, tanto los rojos como los verdes están potenciados ¿Cómo saber si toda la foto ha sido potenciada o no con esta capa?

Si hubieran sido potenciados todos los colores, sobretodo en la imagen de la derecha, el pelo se vería mucho mucho más azul que simplemente el leve tono azulado que tiene.

Yo recomiendo usarla siempre así, por gamas de colores, para la foto completa es mucho mejor usar la capa de ajuste de “intensidad” que es la que sube la saturación a los colores que están en la imagen poco saturados, respetando los que sí lo están. De esta forma se evita que nos pasemos con la saturación de las imágenes y perdamos, así, matices en los colores.

 

Os dejo un último collage completo con las dos fotografías y su before/after y espero que os haya resultado útil el post! 😀

 

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¿Quieres avanzar en la fotografía? ¡Trucos infalibles!

Muchas veces me preguntan sobre las fotos que hago, sobretodo cuando no hago autorretratos, cuando hago trabajos con modelos o cuando pongo las fotos que hago para portadas de libros (como las que mando a Arcangel Images)

Muchas veces sacamos fotografías geniales de una forma totalmente improvisada. Así que aquí tenéis algunos consejos para ir avanzando en el mundo de la fotografía, mejorar nuestro “ojo fotográfico” y sentirnos más preparados a la hora de trabajar.

1. ¡Lleva siempre la cámara en la mano!

Es importante llevar la cámara siempre que salgamos de casa, quizá para ir al trabajo o a clase no sea la mejor idea, pero nunca sabes dónde encontrarás una buena foto. Si aun así es demasiado engorroso, al menos hay que llevarla siempre que se salga con los amigos, a dar un paseo, de excursión… la práctica con la cámara es algo indispensable y que agradeceremos muchísimo con el paso del tiempo.

2368da73-0091-4b64-aba2-86d5eadcc84f_FULLSCREEN Captura de pantalla 2013-10-08 a las 14.12.43 Captura de pantalla 2014-05-02 a las 13.48.06

Estas tres fotografías son un ejemplo de la inspiración total, llegar a un lugar y pensar, esto me gusta! Es algo que se puede entrenar y aprovechar llevando la cámara siempre encima 😀

2. Aprovecha las cosas sencillas

Muchas veces tenemos en nuestra propia casa mil opciones para tener fotos bonitas, cosas simples como unas telas, una ventana, quizá unas gafas o un sombrero… que si vamos utilizando día a día, encontraremos mucho más versátil de lo que pensábamos!

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Esta fotografía fue tomada en el cristal que tengo en la terraza de mi casa, un spray con algo de agua y el reflejo de las casas de la acera de en frente hicieron el resto.

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En esta fotografía utilicé, como fondo, una sábana. Sí, todos tenemos un montón de sábanas en casa y son unos fondos para fotografía muy buenos. Un lazo y unos chupachups terminaron la foto.

Captura de pantalla 2015-08-03 a las 20.35.01La magia de esta fotografía la dan esas pequeñas luces, que no son otra cosa que el reflejo de la luz del sol en un pequeño cojín de lentejuelas.

Recordad, no siempre hacen falta mil accesorios carísimos, filtros, geles, reflectores de todos los colores y sabores…¡No! A veces, simplemente, mirando lo que tenemos en casa, podemos sacarle mucho partido a nuestra imaginación.

3. Trabaja las distintas horas del día

Todos los fotógrafos acabamos absolutamente obsesionados por la luz. Es inevitable, lo cierto es que cada hora del día tiene su “aquel” especial, pero lo importante es, aunque acabemos teniendo nuestras horas favoritas para hacer fotos, trabajar en todas las franjas, para sentirnos más cómodos y seguros de nosotros mismos.

Captura de pantalla 2015-08-03 a las 20.42.22Captura de pantalla 2015-08-03 a las 20.41.37 Captura de pantalla 2015-08-03 a las 20.42.02

Aquí os dejo, por orden, luz diurna, luz al atardecer y un retrato nocturno (aun muy mejorable, es mi asignatura pendiente)

Con estos simples consejos y un poco de paciencia y perserverancia, antes de que os deis cuenta habréis avanzado muchísimo dentro del mundo de la fotografía. Al fin y al cabo, además de la información y la inspiración, no hay nada como la práctica, el esfuerzo y el trabajo del día  a día para dar pasos agigantados hacia ser el mejor fotógrafo que podamos ser 😀

Espero que os haya gustado!

Geo sakura blue – Geo coloured lenses

Hola de nuevo! Hoy os traigo la review de uno de mis modelos favoritos de lentillas, las Geo Sakura, en este caso decidí cogerlas en azules, pero las hay de un montón de colores! Su efecto es genial.

Así me llegaron a casa

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El paquete era un sobre acolchado y estaban bien protegidas, así que llegaron en perfecto estado. Ahí tenéis también una fotografía de las lentillas dentro de sus botes, tienen un azul muy muy bonito! Una de las cosas que más me gusta de estas lentillas, es que no son demasiado opacas, así que, dentro de que el efecto “ojo de muñeca” es muy acentuado por el círculo exterior negro, el color se funde muy bien.

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Aquí podéis verlas más de cerca, así podréis apreciar que no son tan opacas como otras de fantasía.

Os dejo también los datos técnicos de las lentillas:

Lens Code WI-A22
Color Blue
Collection Xtra Sakura
Packaging 2 vials
Life Span Yearly

SPECIFICATION

Power Range 0.00 / Plano only
Diameter 15.0mm
Base Curve 8.70mm
Water Content 40±2%
Material Polymacon

Os dejo una comparativa, de la diferencia que hay del ojo natural a la lentilla, la verdad es que estas lentillas agrandan bastante los ojos!

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Lamento esta versión sin maquillar, pero creo que es más natural verlas tal cual, sin adornos extra (aunque quede un poco raro así sin más jajaja)

Por último os voy a dejar algunas fotos que tengo con ellas, aunque lo cierto es que espero tener pronto muchas más! He estado de viajes y cambios de casa y he tenido el blog un poco abandonado, pero ahora ya estaré a tope y os iré subiendo más ejemplos de cómo quedan 😀

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Si queréis estas lentillas sólo tenéis que hacer click aquí! Están a 21,15$ (rebajadas!!!!)

En mi opinión personal: hacía mucho tiempo que llevaba queriendo tener estas lentillas, sobretodo porque siempre fueron las que más sensación de “living doll” me dieron y estoy muy muy contenta, es un efecto muy específico que todos los amantes de las lentillas conocemos y, desde luego, os animo a haceros con unas tan rápido como podáis 😀

Sobre el ego del “neo-artista”

Desde que escribí mi último post de opinión, en el que además, intenté ser, cuanto menos, respetuosa y cordial con todo lo que, desde mi punto de vista, critiqué, me encontré con una nada agradable sorpresa. El “artista moderno” no soporta ser criticado.

La forma, a mi juicio, de mejorar y de adaptarte a tu medio, es oír no sólo lo que el público opina, sino el momento histórico en el que estás y lo que otros compañeros u otros profesionales pueden opinar, aportar o enseñarte sobre cómo mejorar tu obra, sobre cómo avanzar más en este mundillo.

O así debería ser.

Lejos del individualismo que el artista tiene o cree que tiene sobre su obra, es importante saber que cada arte es una disciplina y como tal debe ser estudiada y practicada hasta mejorarse a sí misma. Y eso incluye encajar las críticas.

Llevo tiempo viendo, que parece que cualquier persona que se autoproclama artista, en la rama que sea, ya da por hecho que ese título impuesto le permite hacer lo que le dé la gana, de cualquier manera, sin pensar y sin esforzarse para nada en las técnicas de su rama artística, sin intentar mejorar, ni estudiar su propio ámbito. Simplemente hace, como quiere hacer, lo expone, donde lo quiere exponer, y decide que es un artista por ello y nadie, NADIE, puede decirle que ha hecho algo mal. Aunque esté mal. Aunque esté PROFUNDAMENTE MAL.

Porque son “artistas”. Lo han elegido.

Cuando hablo con diferentes tipos de personas, me doy cuenta, de que aun quedan artistas reales, artistas a los que les dices, quizá esto se podría mejorar…. , quizá podrías enfocar esto de tal manera…. y realmente lo valoran, lo piensan, lo trasforman, miran, prueban, y puede que les interese, o puede que no, pero desde luego han investigado el cómo y el qué y el qué tal sería intentarlo por si puedo coger un poquito más de lo que me da el mundo.

Y luego están los que creen que todo lo que hacen es perfecto y no puedes opinar absolutamente nada porque son “artistas”. Como si ser artista pudiera ser como ser… pelirrojo, que vale con echarte un tinte. Y no es así.

Cada crítica la toman directamente como un ataque personal, a ellos, a su obra, a su mundo interior. Acumulando odio y explotando contra cualquier persona que les dice no. Esto no. Esto no me gusta. Porque han decidido que el público, el mundo, toda esa gente que ve sus obras, no tienen ningún derecho a decir no. No me gusta.

El “neo-artista” ha decidido separarse de todo. Ha decidido que su obra siempre es perfecta, sin basarse en nada, porque sí y ha decidido alejarse del público. Del mundo y de todo artista que no simpatice con absolutamente todo lo que hace.

Para estos “neo artistas” decir, el artista, no es el que se bautiza a sí mismo como tal. El artista es el que es considerado así por otros, por los que ven su obra, por el gran público. Artista es un galardón que el mundo te da cuando haces arte. Los verdaderos artistas no tienen que estar vendiéndose como artistas en cada lugar donde pueden poner una palabra. Los verdaderos artistas están demasiado ocupados haciendo arte.