Mis portfolios en Stock y Microstock ¿Qué es lo que más se vende?

Lo prometido es deuda y vengo de nuevo para enseñaros algo que me habéis preguntado mucho, mis portfolios de stock y microstock.

En stock tradicional llevo algo más de tiempo y mi portfolio es más amplio, en este sentido estoy trabajando con Getty Images que fue, creo, la empresa más grande y más prestigiosa del sector, pero que, según mi experiencia, ha bajado bastante el ritmo de ventas y ha ofrecido packs muy jugosos para los compradores, pero que nos afectan negativamente a los fotógrafos. Por ahora tengo ese banco de imágenes bastante más parado, pero aun así aquí os lo dejo para que le echéis un vistazo.

Mi portfolio en Getty Imagescaptura-de-pantalla-2016-11-17-a-las-19-29-30

Aunque la imagen no es muy representativa de todo lo que tengo (destacan más mis últimas sesiones para esta plataforma) si entráis en el enlace podréis ver las más de mil fotografías que tengo a la venta

¿Qué es lo que más he vendido?

Si usáis Spotify y habéis visto la lista de “cantando en la ducha” tendréis la respuesta 😉

Ahora pasemos al microstock!

Primero os pondré mi favorita, que es Fotolia, entre otras cosas porque está mucho mejor pagada que shutterstock y además me he fijado que su criterio de selección es mucho menos crítico que el de shutter. Es más fácil que te cojan fotografías que son expresivas y, podemos decir, “bonitas” o atractivas visualmente, cuando en shutterstock unos criterios técnicos muy estrictos pueden tirarte muchas para atrás.

Aquí os dejo Mi portfolio en Fotoliacaptura-de-pantalla-2016-11-17-a-las-19-27-59

Como veis aquí tengo bastante contenido más creativo, que en un principio no sabía si realmente se vendería, pero llevo unas cuantas sorpresas que me han hecho querer seguir adelante subiendo toda clase de imágenes sin ponerme a pensar demasiado en si son “demasiado artísticas”.

Hace no mucho, Fotolia se fusionó definitivamente con Adobe Stock, de forma que ahora todo lo que tengo en Fotolia también está ahí. Lo cierto es que hace también un tiempo Adobe Stock hizo una campaña publicitaria donde le “declaraba la guerra” al stock tradicional diciendo que quizá era un contenido un poco obsoleto, así que me decidí a apostar por al diferente y por ahora no va mal 🙂

¿Qué es lo que más he vendido? Mis fotos más vendidas están empatadas entre una fotografía estilo bodegón, con una taza de café, un portátil y un brazo de una chica y otra de un chico caminando por una carretera vacía ¿Qué tienen en común? En ambas alguien está haciendo algo que puede ser interpretado de diferentes maneras (por si os sirve de pista)

 

Por último os dejo Mi portfolio en shutterstock donde tengo algo muy similar a Fotolia, pero con algunas diferencias (a veces sorprendentes) entre lo rechazado en la otra agencia y lo que finalmente decidieron aceptar en esta.

Misterios del microstock

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En esta ocasión las fotos más vendidas están en orden de aparición, así que podéis ver qué es lo que más vendo en este banco de imágenes, quizá os sirva como guía de qué pueden pedir o qué puede resultar atractivo para los compradores!

 

Me despido no sin antes daros un gran consejo, si entráis en el microstock, intentad mandar todas vuestras fotos (siempre sin exclusividad) a todas las agencias de microstock que conozcáis empezando por las más grandes que son Fotolia, Adobe Stock, Shutterstock e iStock. Por mi experiencia os puedo decir que una foto puede ser super ventas en un banco de imágenes y no venderse jamás en otro, así que vale la pena subirlas a todas partes, porque nunca sabes qué publico tiene cada banco de imágenes y qué puede estar buscando!

 

 

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Consejos para una fotografía bien enfocada! + una foto inédita :D

Últimamente me han preguntado sobre el enfoque en mis fotografías. La verdad es que es un tema que siempre me trae de cabeza porque me gusta conseguir el enfoque más perfecto que puedo (siempre contando con el equipo que tengo, que poco a poco se va quedando un poco atrás).

Actualmente trabajo con una Canon EOS 7D y con un objetivo Tamron 18-200 con estabilizador que me compré bastante económico hace poquito. En cuanto a iluminación, trabajo o bien con luz natural o con un foco de luz continua con ventana de 135w (antes tenía dos, pero eso es otra historia ya…)

Hace poco tuve mi última sesión (por ahora) con iluminación artificial, aquí os dejo una foto del making of que hizo Marina López con su móvil mientras grababa con la cámara la sesión. Como veis el esquema de iluminación es bastante simple, pero funcionó correctamente ya que la habitación era estrecha y blanca y por lo tanto la luz se reflejaba bastante bien por todas partes.Captura de pantalla 2016-07-30 a las 17.29.46

¿Por qué os hablo de la luz cuando debería hablar del enfoque? Porque la luz es vital para todo amigos míos. Para el enfoque, también.

Cuando trabajo con modelos, es esencialmente importante, al menos para mí, usar la ráfaga rápida de mi cámara cuando disparo. Muchos fotógrafos aconsejan no hacerlo, porque es llenar inútilmente la tarjeta de la cámara, porque es hacer trabajar a la cámara de una forma extra, pero yo no trabajo con modelos profesionales de poses estudiadas. Trabajo con amigos, familia o modelos amateur y lo que busco en ellos es la naturalidad, espontaneidad y captar cada mínimo gesto que pueda gustarme. Porque sí, es un hecho, las personas se mueven. Gesticulan, ríen, tienen ráfagas de timidez, así que:

TRUCO NÚMERO 1: Si trabajas con modelos sin experiencia profesional o si buscas captar cada instante en cada gesto, usa la ráfaga si no tienes demasiada luz. ¿Por qué? Si cuentas con una buenísima iluminación quizá esto no te haga falta, puedes ir disparando cada vez que quieras, sabiendo que una fotografía no saldrá movida, no tendrá un pequeño halo de distorsión, no pillarás un gesto a medias, dado que podrás disparar a gran velocidad. Pero si, como yo, trabajas a diferentes horas del día o con poco material de iluminación artificial, no tengas miedo y usa la ráfaga!

TRUCO NÚMERO 2: Usa un buen trípode. Es raro dar este consejo porque yo no suelo usarlo. Odio el trípode. No me deja moverme como a mí me gustaría y eso me pone muy nerviosa, así que acabo tirando el trípode por cualquier parte, pero eso me ha enseñado a hacer con mi cuerpo mis propios trípodes. No es ni la mitad de fiable (véase el punto 1), pero me da un apoyo extra y algo de fiabilidad que no tendría disparando a pulso. Ahí arriba podéis ver cómo estaba disparando y la iluminación que tenía, este es el resultado:

Captura de pantalla 2016-07-30 a las 17.27.30

Como veis, el resultado es más que decente. Pero, de nuevo, si no sois unos maniáticos del movimiento como yo, haceros con un buen trípode!

TRUCO NÚMERO 3: Tiempo de exposición. Cuanto más corto, mejor. Para el enfoque es así de sencillo, al menos para mí. Esto nos lleva a otros dilemas ¿Qué hago entonces? ¿Subo la ISO? ¿Añado más iluminación como buenamente pueda? Pues veamos, sí y SÍ. ¿Por qué el primero en minúsculas y el segundo en mayúsculas? Porque dependiendo de la cámara que tengas, subiendo mucho el ISO tendrás mucho ruido en tu imagen. Eso puede limpiarse después en post-producción, pero el resultado va a depender de cuánto ruido hubiera en la imagen y la pericia que cada uno tenga a la hora de quitarlo con programas de edición. Sin embargo, añadir luz de forma artificial siempre te puede ayudar a poder permitirte tiempos de exposición más cortos, el disparo será más rápido y tu enfoque mejorará. Añadir luz también hará que aprendas a utilizar diferentes esquemas de luz para preparar tus fotografías. Puedes encontrar en muchos sitios esquemas de luz ya aconsejados por otros fotógrafos o, si tienes tiempo y creatividad, puedes ir probando poco a poco hasta conseguir tus favoritos.

TRUCO NÚMERO 4: No tengas miedo a meterle mano al enfoque. ¿Es necesario usar siempre el enfoque automático? La respuesta es no. Seguro que a muchos os ha pasado más de una vez (porque a mí me ha pasado) que, al fiarnos del enfoque automático nos hemos encontrado que la cámara ha enfocado donde le ha dado la real gana. La cámara no sabe necesariamente qué queremos nosotros que salga enfocado, al fin y al cabo no es la cámara la que hace las fotos no? Es el fotógrafo. Dependiendo de la maña que tenga cada uno y del tiempo que pueda invertir nos encontramos varias opciones.

  1. Presiona el botón de la cámara hasta la mitad y observa dónde está enfocando antes de ponerte a disparar. Quizá tengas que moverte, cambiar tu ángulo o quitar objetos de la escena (si los hubiera) que distraigan la atención de tu sujeto. No termines de disparar hasta que no veas que la cámara señala como enfocado lo que tú quieres enfocar.
  2. Intenta un enfoque intermedio, mitad automático pero guiado. Dependiendo de qué cámara tengas podrás hacerlo desde una parte del menú o de otra, pero muchas cámaras réflex tienen la opción de que puedas elegir, dentro de toda la zona de la fotografía, en qué área quieres que se centre el enfoque. Dependiendo de los puntos de enfoque de tu cámara tendrás más o menos opciones.
  3. Para los verdaderamente mañosos o expertos, el enfoque manual. Aquí no hay truco del almendruco, aquí está tu vista y tu maña, tendrás que ir enfocando manualmente, con cuidado y despacito hasta que puedas ver lo que tú quieres enfocado nítidamente enfocado, entonces ¡Dispara!

 

Seguramente encontréis consejos muchísimo más profesionales de fotógrafos mucho más profesionales que yo, pero yo siempre os doy mis consejos desde mi experiencia, desde alguien que disfruta de la fotografía y que trabaja de una forma más amateur.

Aquí os dejo algunos otros resultados de la última sesión!

Captura de pantalla 2016-07-30 a las 13.05.05

Por supuesto y si queréis, puedo hacer otra entrada sobre cómo mejorar el enfoque de vuestras fotografías con post-producción! Ya me decís lo que necesitéis!

Espero que os haya sido de ayuda 😀

Ya sabéis que podéis preguntarme lo que queráis desde mi Facebook, mi Ask y seguir mis trabajos en Instagram.

 

Cómo hacer retratos “de cine”

Los que ya conocéis mi trabajo sabéis que me inspiro mucho en el cine a la hora de trabajar el retrato en mis fotografías, no es una decisión que tome conscientemente, sino que, al ser una gran consumidora de cine al final tiendo siempre a “barrer para casa” de forma automática y a llevar mis retratos más personales a ese ámbito.

Hoy os voy a enseñar a qué prestar atención y en qué fijarnos si queremos que nuestros retratos parezcan sacados de una película.

1. Inspiración.

Ver mucho cine puede llevarnos a querer evocar de alguna manera nuestros personajes o escenas favoritas, inspirarse en el cine es una maravilla, pero recordar que el toque personal SIEMPRE tiene que acompañar a nuestro trabajo, nuestra visión de la vida, del personaje o de la escena

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Para mí, esta fue mi versión de Marla del Club de la lucha. Siempre quise hacer una versión de Marla diferente, y mi amiga Sabrina iba perfecta para el papel. Su atuendo no tiene nada que ver con la Marla original, y desde luego esa pared llena de texturas irregulares dista mucho de un lugar como en el que estaba Marla, pero creo que supo capturar su esencia a la perfección.

2. Sensación/sentimiento

Así como en otros tipos de retrato nos centramos en la nitidez, en que la persona salga favorecida, en el trabajo puramente estético, en este tipo de retratos es importante que se transmita un sentimiento. Quizá no es tan importante que la persona salga perfecta, favorecida, con un encuadre clásico, sino que la fotografía transmita algo diferente.

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La evasión, el dolor, pena, alegría, ira, soledad, calma…. todo vale si se puede transmitir. En algunos la sensación el sentimiento es más sutil y en otros más intenso, pero es importante captar un momento espontáneo, natural, que haga pensar al espectador.

3. Mood

Esto es algo que he visto mucho sobretodo en redes sociales de fotografía, mood sería algo así como el estado de ánimo, pero creo que engloba también lo que sería la… atmósfera anímica de la escena. Para esto os traigo dos ejemplos creo que bastante claros y opuestos.

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A la izquierda, tanto por el gesto de la modelo como por la gama de colores utilizados, el retrato se convierte en una escena de una peli tal vez romántica, una comedia romántica o una escena entrañable y alegre. A la izquierda nos transmitirá nostalgia, quizá pena, soledad o quizá algo más profundo y onírico. No sólo está la diferencia en el color/blanco y negro, en el cine, se ambientan las diferentes escenas en diferentes gamas de color para que nos transmita de forma subliminal ese “mood” los colores fríos, cálidos, los contrastes intensos, las escenas más oscuras frente a las más luminosas. Si tenemos claro qué tipo de “ánimo” queremos ponerle a nuestra foto, deberemos pensar en qué colores transmiten más esa atmósfera.

4. El género

Por último el género, es algo parecido al “mood” pero diferente, esto es más hacia la parte del personaje que hacía la parte anímica de la escena en sí. También elegir ¿Qué estilo queremos? Miedo, suspense, aventuras, fantasía… aquí es donde podemos soltar nuestra creatividad pensando en nuestro personaje.

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Estas son mis versiones de retratos de terror/misterio y el género policiaco (uno de mis favoritos). Como dije al principio, ver mucho cine ayuda mucho a la hora de coger ideas, a la hora de procesar nuestras fotografías y conseguir el efecto deseado en el resultado final.

Si tenéis dudas sobre el procesado de cualquiera de estas fotos podéis escribir un comentario o escribirme a un mensaje privado a: Nanihta Fotografía

Espero que os haya gustado 😀

El blanco no es simplemente blanco

Hace unas semanas tuve que enfrentarme a un gran reto como fotógrafa ¡El color blanco!

Tuve una triple sesión de unas… 6 horas, con una modelo genial Susan y una magnífica estilista Verónica e hicimos tres cambios de ropa y estilo en un día, todas con el mismo motivo: el color blanco.

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Estos son los tres estilismos que utilizamos ¡Pero sólo es un adelanto de todas las fotografías que voy a subir! (hicimos a montones)

Trabajar con el color blanco es complicado, tenemos que tener en cuenta que no se nos queme ninguna zona de la imagen, hay aparatos para medición de luz en estos casos, pero yo opté por hacerlo “a ojo” intentando tirar las fotos quizá un poco más oscuras de lo correcto, para no llevarme sustos luego a la hora de la post-producción.

Mi intención era darles aires diferentes, con virados de color distintos para diferenciar claramente los tres estilos.

Hada de las flores:

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La intención de esta sesión era una claramente: destacar las flores. Quería un inmenso mar blanco que acunara ese ramo de flores que prendían del vestido. Lo vi claro en cuanto la tuve delante, esas flores deberían destacar por encima de todo, eso y darle a la piel de la modelo un ligero color melocotón que la rescatase del fondo. Prueba conseguida 🙂

El vestido era un vestido de novia que Verónica adecuó a la sesión, un trabajo maravilloso! Contad con ella siempre que podáis, es excelente en lo que hace.

Hermes

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Tanto Susan como Verónica imaginaban este personaje como una bailarina con piel de nácar. Yo pensé automáticamente en el mensajero de los dioses, tan etéreo y con ese tocado de plumas así que… hicimos la mezcla y quedó genial 🙂

Este sí, fue el blanco más puro que pude conseguir, sin que se perdieran los matices, brillos y curvas de la tele y sin que perdiera protagonismo la modelo.

La reina de las nieves 

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Esta fue la idea primigenia desde la que surgieron todas las demás. Yo siempre vi a Susan como una reina de las nieves LA REINA DE LAS NIEVES.

Aquí lo vi claro, clarísimo, el virado en azul y los copos de nieve eran totalmente necesarios!

Todo el traje aquí fue hecho a mano y a medida por Susan y Verónica, montando pequeños copos de nieve y perlas sobre una base que iría pegada al cuerpo, una absoluta pieza única, increíble.

La corona también fue hecha a mano por la estilista, como lo fueron los tocados de los cambios anteriores y el maquillaje con perlas, que pronto os subiré en detalle, también fue absolutamente increíble!!

En una de mis entradas anteriores ya os hablé de los virados de color, espero que aun os acordéis!! Si no, aquí os la dejo. Aunque la hice sobre blanco y negro, es aplicable a cualquier tipo de foto!

Espero que os haya gustado y pronto más cositas! 😀

Los tonos cálidos y el tratamiento de los negros en el efecto vintage

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Hoy en día está muy de moda el intentar hacer fotografías actuales con un efecto vintage (de cámara analógica antigua). Este efecto en las fotografías tiene un encanto especial, añade un valor histórico, emotivo, de carácter a las fotografías tomadas con cámaras digitales actuales, las cuales, precisan tomar la realidad tal cual es, de la forma más fidedigna posible.

Parte del encanto de la fotografía vintage son sus colores que, aunque pueden hacerse tanto en tonos cálidos como en fríos, pero con los cálidos es más sencillo conseguir el efecto requerido.

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Ya os enseñé en la entrada anterior como cambiar tonalidades, así que una buena manera de darle calidez a una foto es con el equilibrio de color o con los mapas de degradado sencillos, pero como muchos me habéis preguntado cómo trabajo el color, os voy a enseñar otra manera de tratar los colores.

Para poder trabajar con gamas de color, lo mejor es utilizar la capa de ajuste de “corrección selectiva”

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De esta manera podremos tratar los colores por gamas de forma independiente (los rojos, amarillos, azules…) con distintas escalas de colores primarios y una última escala de negros (que nos puede ayudar a dar y reducir contraste)

Las fotografías vintage en color solían tener mucha saturación, hay que manejarlo bien para que los colores queden intensos, pero sin que lleguen a estar sobre-saturados y desentonen demasiado en la foto y, sobretodo, si nos decidimos por los colores cálidos, o los colores fríos, intentemos que no desentonen unos con otros.

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Cuando hablamos de las fotografías en blanco y negro, una forma de darles efecto vintage es “lavando” los negros, quitándoles contraste. Así como con el color, podéis usar la máscara de capa de corrección selectiva, seleccionar los negros y modificar la escala de negros hacia la izquierda, donde se podría decir que “quitamos negro a los negros”. También podemos hacerlo con las fotografías en color, pero nos quedarán los negros más “grises”. 

Sin embargo, si queremos que esos negros “lavados” tengan un ligero toque de color lo mejor que podemos usar es, de nuevo, una capa de ajuste de mapa de degradado.

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En este caso, lo ideal será tener mapas de degradado de colores muy oscuros (azul marino-negro, granate oscuro-negro, morado oscuro-negro…) y ponerlos en modo “aclarar”, de esta forma, los negros, automaticamente, quedarán lavados con un ligero toque del color elegido. A veces, según los colores que hayan sido usados en el mapa de degradado, pueden quedar unos negros muy lavados, muy opacos, que molesten en nuestra imagen, en ese caso deberemos modificar la opacidad de la capa hasta que esté a nuestro gusto.

Aquí tenéis otros ejemplos:

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Iluminación “de andar por casa”

Los que ya me conocéis sabéis que no soy nada fan de los flashes o de la luz artificial (el sol es mi pastor… nada me falta), pero bien es sabido que en las largas épocas invernales algo hay que hacer si queremos seguir haciendo fotos a pesar de las limitaciones de tiempo en cuanto a horas de luz, así que, para los que no tengáis un dineral que gastaros en flashes, ventanas, reflectores y demás, os voy a dar algunos trucos para usar las luces que tengáis en vuestra casa o que sean asequibles para poder seguir trabajando con ellas.

El flexo

Un flexo es algo que todos tenemos en casa, por lo general suelen dar luz muy cálida y dura, lo que nos dará una luz focalizada que cree sombras oscuras y contrastes altos, podemos hacer algún difusor casero para evitarnos esto o sacarle partido:

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Estos son dos ejemplos de sombra oscura y luz dura que puede darnos un flexo. A veces las sombras no son deseadas, pero en estos casos le aportan a la imagen un extra de fuerza y dramatismo, así que viendo los resultados, podréis usar un flexo si buscáis una situación lumínica parecida.

Las bombillas clásicas 

Todos tenemos lámparas en casa, lámparas de techo, lámparas de pie… cuya iluminación generalmente es amarilla o anaranjada, o puede que algo más blanca si la bombilla es de bajo consumo, pero todas suelen ser cálidas, podemos contrarrestar esto desde nuestra cámara con un balance de blancos en modo tungsteno (que suele tener el símbolo de una bombillita) o, si tiramos en RAW podemos modificarlo luego desde programas de post-producción.

Según el tipo de lámpara que tengamos, nos dará una luz más difusa o nos dará una  luz más focalizada, debemos conocer las luces que tenemos en nuestra casa y el efecto que tienen sobre las superficies y las sombras que crean, una vez hecho esto, podemos experimentar con ellas:

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Aquí os dejo dos ejemplos de las luces que tengo en mi casa, la primera más difusa (ya que es de bola de papel) y la segunda más focalizada. Cada una teniendo su encanto.

Luces de navidad

Aquí llegamos a unas de las luces que más me gustan a la hora de trabajar el retrato artístico en el propio hogar, hay muchos tipos de luces de navidad, blancas, de color, con formas, aleatorias, intermitentes… a gusto del consumidor! Hay muchas maneras de usarlas para obtener distintas funciones de ellas.

Podemos usarlas como panel iluminador de forma que nos den una amplia y difusa fuente de luz:

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Estas imágenes están tomada en raw, sin ningún tipo de retoque, la diferencia abismal entre ellas en cuanto a a la iluminación y al matiz cálido de la foto, reside en que en la pared tengo colgadas las luces de navidad de forma que creen una fuente de luz amplia y difusa, como se puede ver, a penas se crean sombras en el rostro ni grandes contrastes, pero la diferencia de la atmósfera es notable y es un buen punto de partida para el retoque posterior.

Aunque sin duda lo mejor de estas luces es que se puede ser muy creativo con ellas!

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Estos son sólo algunos ejemplos de lo que se puede conseguir, deja volar tu imaginación 🙂

Luces independientes

Es probable que estas luces os suenen menos, yo las vi en Ikea hace un tiempo y decidí comprarme varias cajitas, no son muy caras, no recuerdo si 3 luces costaban unos 4 euros más o menos y siempre están bien, no sólo para la fotografía, sino como luces auxiliares en casa, dan una luz parecida a la que daría una vela pequeña, pero a cambio, son eléctricas. Son pequeñas y manejables, dan pequeños puntos de luz led que nos pueden resultar muy útiles a la hora de componer fotografías creativas. Algunas veces incluso, las uso dentro de farolillos para darle un toque más vintage a la foto.

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Velas 

Y como siempre, un clásico, no podemos olvidarnos del uso de las velas, a veces, nos pueden dar la iluminación por sí solas sin son muy grandes o si tenemos muchas, en otras ocasiones, quizá debamos tener una luz clásica de casa para darnos la iluminación general y que las velas estén creando ambiente, en cualquier caso, la luz de una vela, aunque sea simplemente para ambientar, siempre crea algo especial (eso sí, hay que tener cuidado, no sólo por el hecho de mantener las velas lejos de telas, cortinas y al tratar con fuego de no hacernos daño, sino también de la cera que pueden desprender y que luego es muy engorroso de limpiar)

Algunos ejemplos!

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Espero que este post os sirva de utilidad y de inspiración a la hora de trabajar dentro de vuestra propia casa, que nunca se os olvide que podemos tener mil accesorios al alcance de la mano para trabajar con la fotografía! 😉

Autorretrato. Primeros pasos.

Para todos los que me conocen, es de sobra sabido, que uno de mis principales estilos en la fotografía es el autorretrato. Muchas personas me han preguntado diversos tipos de dudas sobre esto, y creo que va siendo hora de daros algunos consejos, sobretodo a los que estáis empezando a practicar este estilo.

El primer accesorio para la cámara que tiene que tener cualquier fotógrafo que quiera dedicarse al auto-retrato es un disparador remoto. Por supuesto que puede hacerse sin él, pero el proceso es mucho más laborioso, tenemos que pensar en poner la cámara en X segundos de espera, colocar algo en el sitio en el que querremos colocarnos nosotros después para que la cámara enfoque, cambiar de sitio con el objeto, esperar… y todo para tener una foto (o como mucho tres si lo permiten algunas cámaras), es agotador y frustrante, por eso recomiendo el control remoto. Ahora bien ¿Cuál?

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Esta es una foto del making of de una de mis últimas sesiones, como veis, en mi mano está el disparador remoto. Éste es el último que adquirí y por ahora es el que mejores cualidades tiene, ya que dispara en disparo único, ráfaga y tiene opción de disparar sin tener que poner la opción de infrarrojos en la cámara.

¿Por qué?

Porque es un tipo de disparador que consta de dos dispositivos, un emisor de infrarrojos que está enchufado directamente a la cámara y el receptor, el mando que tengo en la mano, que recibe los infrarrojos y permite disparar.

Por lo general con los disparadores más baratos (estos pequeños manditos con un único botón que pesan poco y puedes meter en cualquier parte) tienes que enchufar con el dispositivo directamente hacia la cámara, lo que hace que, muchas veces, el disparador salga en la foto y si no sale en la foto, cuesta mucho más que la señal llegue y el autorretrato sea como nosotros queremos.

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En esta foto le estaba demostrando a mi compañera Marina López que, con mi disparador, era innecesario tener que estar apuntando a la cámara. Como veis, mi mano está totalmente fuera de la imagen, ni recuerdo exactamente a dónde apuntaba, pero desde luego a la cámara no era. También, como veis, se me ve de cuerpo completo ¡Y podría alejarme mucho más! Este tipo de dispositivos tienen un alcance de hasta 100 metros si las condiciones ambientales son buenas, por lo tanto nos da una gran libertad a la hora de retratarnos si lo que queremos es hacerlo en contextos complejos, en lugares de difícil acceso para una cámara y un trípode o, por ejemplo, en el agua.

Este tipo de disparadores remotos son mucho más caros, pero asequibles, hay muchas marcas blancas (extranjeras sobretodo) que nos brindan la posibilidad de adquirirlos a unos 30 euros más o menos (eso sí, hay que tener un pequeño fondito para pilas porque esas sí son caras si le damos un uso muy frecuente).

¿La principal ventaja? Que de esta manera realmente podemos estar coordinados como modelos y como fotógrafos, ya que a la hora de hacer ‘click’ cuando el dedo aprieta el botón del mando es como si apretase realmente el de la cámara, por ello ganaremos calidad de enfoque y será más complicado que no estemos en el momento justo en el sitio justo o que haya problemas a la hora de posar y que el disparador no quiera comunicarse con la cámara. Incluso podremos hacer el proceso con el disparador metido en el bolsillo, hará su trabajo igual.

Os animo a todos los que queréis empezar en este estilo a que os hagáis con uno de estos mandos, muchos de los problemas iniciales que pudierais tener en referente a los otros estilos de hacer autorretrato desaparecerán de golpe y podréis ser más creativos y hacer más pruebas sin que el tiempo de espera de disparo os saque de quicio.

En ebay encontrareis muchas ofertas para haceros con uno ¿A qué estáis esperando?

🙂