El poder que TÚ tienes en las redes sociales, consigue seguidores!

Hola a todos! Hoy os traigo un artículo de opinión sobre lo que he ido viendo que ocurre en las redes sociales desde que me dedico a la fotografía.

En este tiempo he conocido a muchos artistas de muchas disciplinas, fotógrafos, ilustradores, cantantes… y todos ellos se han encontrado con el mismo problema. Cómo difundir su contenido en las redes sociales.

La difusión, por lo general, se consigue pagando. Pero al pagar acabas teniendo un problema colateral: cuando no pagas, las redes sociales no promocionan tu contenido… a menos… a menos qué…. sí, querido usuario de las redes sociales, TÚ eres la respuesta.

En estas fotos se puede ver el progreso que he ido teniendo en instagram en el último año. Como veis no ha sido una absoluta locura, pero he ido creciendo poco a poco, todo gracias a otros perfiles de instagram que comparten fotos de usuarios o a los famosos share for share que se organizan en esta red de vez en cuando.

Todo esto me lleva siempre a preguntarme ¿Por qué dependemos de páginas o cuentas específicas que compartan nuestras fotos para crecer? ¿Por qué no aprendemos a apoyarnos entre nosotros?

Con esto quiero decir, cada usuario individual de cualquier red social tiene amigos, contactos, familiares… cada artista con cada página tiene seguidores, fans, compañeros de su disciplina, amigos, compañeros… y aun así, siempre que veo contenido compartido (y es mucho y variado cada día) veo contenido de titánicas páginas de chistes, carteles en los que no se menciona jamás al autor de la ilustración o la fotografía, fotografías robadas y re-editadas por personas que no las han hecho y que tienen miles de comentarios y shares y hacen famosas y virales páginas que realmente sólo se aprovechan del trabajo de otros artistas. Páginas que roban fotografías, canciones, tutoriales, vídeos… de muchos pequeños artistas que cada día intentan hacer lo mejor que pueden su trabajo… y no les dejan.

Tú, usuario diario de las redes sociales, tú tienes el PODER, tú, si eliges compartir el contenido de ese pequeño fotógrafo que tanto te gusta, al que casi nadie conoce. Tú, que tienes un amigo que canta como los ángeles y al que no ve nadie en Youtube. Tú que sabes del talento increíble de esa ilustradora que paso a paso se va haciendo grande pero siempre necesita un pequeño empujón, a ti que te encanta esa modelo y cómo todas sus fotografías son diferentes y variadas. Tú, que tienes amigos artistas, que sabes que son grandes personas o simplemente hacen un buen trabajo, tú puedes ayudarle. Puedes compartir su contenido, puedes hablarles a tus amigos de esa persona, puedes enseñar lo que hace con orgullo, sabiendo que estás ayudando a alguien que se esfuerza muchísimo en poder seguir adelante con su trabajo.

Y, por supuesto, TÚ, artista, recuerda que tienes compañeros que también te necesitan, recuerda que no debería hacer falta que una página titánica te saque, porque entre compañeros puede surgir mucho apoyo. Porque tú también puedes compartir lo que tus compañeros hacen, tú también puedes enseñarle a tu público que hay mucho más que ver, que hay muchos más artistas que a ti también te gustan y que admiras.

Y además, sólo te va a quitar 1 minuto de compartir otras noticias, vídeos de gatitos (que a todos nos encantan), las tapas del bar en el que estás, o del restaurante donde vas a comer, o la fantástica playa que ves este verano. Ese minuto que has invertido en enseñar el trabajo de alguien, ese minuto que ni te has dado cuenta de que existía mientras apretabas el botón de “compartir”, puede ayudar muchísimo a todos aquellos que no tienen dinero para pagarse la “promoción” de las redes sociales.

Eres mucho más importante de lo que piensas.

Todos los artistas que conoces, te necesitan ❤

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Consejos para una fotografía bien enfocada! + una foto inédita :D

Últimamente me han preguntado sobre el enfoque en mis fotografías. La verdad es que es un tema que siempre me trae de cabeza porque me gusta conseguir el enfoque más perfecto que puedo (siempre contando con el equipo que tengo, que poco a poco se va quedando un poco atrás).

Actualmente trabajo con una Canon EOS 7D y con un objetivo Tamron 18-200 con estabilizador que me compré bastante económico hace poquito. En cuanto a iluminación, trabajo o bien con luz natural o con un foco de luz continua con ventana de 135w (antes tenía dos, pero eso es otra historia ya…)

Hace poco tuve mi última sesión (por ahora) con iluminación artificial, aquí os dejo una foto del making of que hizo Marina López con su móvil mientras grababa con la cámara la sesión. Como veis el esquema de iluminación es bastante simple, pero funcionó correctamente ya que la habitación era estrecha y blanca y por lo tanto la luz se reflejaba bastante bien por todas partes.Captura de pantalla 2016-07-30 a las 17.29.46

¿Por qué os hablo de la luz cuando debería hablar del enfoque? Porque la luz es vital para todo amigos míos. Para el enfoque, también.

Cuando trabajo con modelos, es esencialmente importante, al menos para mí, usar la ráfaga rápida de mi cámara cuando disparo. Muchos fotógrafos aconsejan no hacerlo, porque es llenar inútilmente la tarjeta de la cámara, porque es hacer trabajar a la cámara de una forma extra, pero yo no trabajo con modelos profesionales de poses estudiadas. Trabajo con amigos, familia o modelos amateur y lo que busco en ellos es la naturalidad, espontaneidad y captar cada mínimo gesto que pueda gustarme. Porque sí, es un hecho, las personas se mueven. Gesticulan, ríen, tienen ráfagas de timidez, así que:

TRUCO NÚMERO 1: Si trabajas con modelos sin experiencia profesional o si buscas captar cada instante en cada gesto, usa la ráfaga si no tienes demasiada luz. ¿Por qué? Si cuentas con una buenísima iluminación quizá esto no te haga falta, puedes ir disparando cada vez que quieras, sabiendo que una fotografía no saldrá movida, no tendrá un pequeño halo de distorsión, no pillarás un gesto a medias, dado que podrás disparar a gran velocidad. Pero si, como yo, trabajas a diferentes horas del día o con poco material de iluminación artificial, no tengas miedo y usa la ráfaga!

TRUCO NÚMERO 2: Usa un buen trípode. Es raro dar este consejo porque yo no suelo usarlo. Odio el trípode. No me deja moverme como a mí me gustaría y eso me pone muy nerviosa, así que acabo tirando el trípode por cualquier parte, pero eso me ha enseñado a hacer con mi cuerpo mis propios trípodes. No es ni la mitad de fiable (véase el punto 1), pero me da un apoyo extra y algo de fiabilidad que no tendría disparando a pulso. Ahí arriba podéis ver cómo estaba disparando y la iluminación que tenía, este es el resultado:

Captura de pantalla 2016-07-30 a las 17.27.30

Como veis, el resultado es más que decente. Pero, de nuevo, si no sois unos maniáticos del movimiento como yo, haceros con un buen trípode!

TRUCO NÚMERO 3: Tiempo de exposición. Cuanto más corto, mejor. Para el enfoque es así de sencillo, al menos para mí. Esto nos lleva a otros dilemas ¿Qué hago entonces? ¿Subo la ISO? ¿Añado más iluminación como buenamente pueda? Pues veamos, sí y SÍ. ¿Por qué el primero en minúsculas y el segundo en mayúsculas? Porque dependiendo de la cámara que tengas, subiendo mucho el ISO tendrás mucho ruido en tu imagen. Eso puede limpiarse después en post-producción, pero el resultado va a depender de cuánto ruido hubiera en la imagen y la pericia que cada uno tenga a la hora de quitarlo con programas de edición. Sin embargo, añadir luz de forma artificial siempre te puede ayudar a poder permitirte tiempos de exposición más cortos, el disparo será más rápido y tu enfoque mejorará. Añadir luz también hará que aprendas a utilizar diferentes esquemas de luz para preparar tus fotografías. Puedes encontrar en muchos sitios esquemas de luz ya aconsejados por otros fotógrafos o, si tienes tiempo y creatividad, puedes ir probando poco a poco hasta conseguir tus favoritos.

TRUCO NÚMERO 4: No tengas miedo a meterle mano al enfoque. ¿Es necesario usar siempre el enfoque automático? La respuesta es no. Seguro que a muchos os ha pasado más de una vez (porque a mí me ha pasado) que, al fiarnos del enfoque automático nos hemos encontrado que la cámara ha enfocado donde le ha dado la real gana. La cámara no sabe necesariamente qué queremos nosotros que salga enfocado, al fin y al cabo no es la cámara la que hace las fotos no? Es el fotógrafo. Dependiendo de la maña que tenga cada uno y del tiempo que pueda invertir nos encontramos varias opciones.

  1. Presiona el botón de la cámara hasta la mitad y observa dónde está enfocando antes de ponerte a disparar. Quizá tengas que moverte, cambiar tu ángulo o quitar objetos de la escena (si los hubiera) que distraigan la atención de tu sujeto. No termines de disparar hasta que no veas que la cámara señala como enfocado lo que tú quieres enfocar.
  2. Intenta un enfoque intermedio, mitad automático pero guiado. Dependiendo de qué cámara tengas podrás hacerlo desde una parte del menú o de otra, pero muchas cámaras réflex tienen la opción de que puedas elegir, dentro de toda la zona de la fotografía, en qué área quieres que se centre el enfoque. Dependiendo de los puntos de enfoque de tu cámara tendrás más o menos opciones.
  3. Para los verdaderamente mañosos o expertos, el enfoque manual. Aquí no hay truco del almendruco, aquí está tu vista y tu maña, tendrás que ir enfocando manualmente, con cuidado y despacito hasta que puedas ver lo que tú quieres enfocado nítidamente enfocado, entonces ¡Dispara!

 

Seguramente encontréis consejos muchísimo más profesionales de fotógrafos mucho más profesionales que yo, pero yo siempre os doy mis consejos desde mi experiencia, desde alguien que disfruta de la fotografía y que trabaja de una forma más amateur.

Aquí os dejo algunos otros resultados de la última sesión!

Captura de pantalla 2016-07-30 a las 13.05.05

Por supuesto y si queréis, puedo hacer otra entrada sobre cómo mejorar el enfoque de vuestras fotografías con post-producción! Ya me decís lo que necesitéis!

Espero que os haya sido de ayuda 😀

Ya sabéis que podéis preguntarme lo que queráis desde mi Facebook, mi Ask y seguir mis trabajos en Instagram.

 

Dar intensidad y profundidad a una foto

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Hace tiempo prometí daros algunos consejos para conseguir darle más intensidad y profundidad a una foto (como el ejemplo que tenemos ahí arriba)

Quiero compartir con todos el hecho de que como herramienta, dentro del propio photoshop, utilizo un plug-in que se llama “Color Efex pro” y que os animo a conseguir a todos porque os puede ayudar mucho a mejorar vuestro post-procesado a muchos niveles. Si decidís descargarlo y aprender a usarlo ya sabéis que podéis comentarme todas las dudas que tengáis y yo intentaré resolvéroslas, por ahora, voy a explicaros cómo se consiguen efectos como este utilizando las herramientas básicas de photoshop.

Lo primero en que nos fijamos al ver la foto de la izquierda es que tiene aspecto de estar “lavada” poco contrastada, pero es muy clara, así que un simple manejo de contraste puede llevarnos a quemar los blancos o a que la fotografía quede demasiado sobrecargada a la vista, así que os voy a ir dando unos pasos para ir consiguiendo más contraste in hacerlo de la forma sencilla y habitual.

Primero hemos de preocuparnos de trabajar los negros. Para eso, debemos poner una capa de ajuste de “corrección selectiva” o “selective color”

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Se os abrirá una pestaña como la siguiente

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Ahora,donde están seleccionados los rojos, seleccionaremos los negros

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Y en la última escala, la de abajo del todo podremos modificar los negros de nuestra foto para ponerlos más oscuros o más claros, es una buena forma de dar contraste a una foto sin tocar para nada los tonos más claros o el resto de colores.

Una vez hayamos hecho esto y nuestra foto haya ganado en profundidad (sin pasarnos, no queremos empastar los negros), vamos al siguiente paso, potenciar los colores.

Hay muchas maneras de hacerlo, en otros post os he enseñado cómo modificar colores, ya sea con el equilibrio de color o con la corrección selectiva (como con los negros, se  puede hacer con otras gamas de colores y modificarlas en sus básicos, amarillo, magenta, cyan), pero en las últimas versiones de photoshop (creo que de cs4 en adelante) tenemos otra herramienta, la herramienta “intensidad” o “vibrance”.

Captura de pantalla 2014-03-05 a las 13.57.33

En teoría esta herramienta lo que hace es potenciar, digamos como saturar, pero sin crear tantas aberraciones cromáticas, los colores que menos intensidad tienen en la foto, de alguna manera pretende “equiparar la intensidad” de todos los colores, pero si vamos potenciando más esta herramienta acabará por intensificar el total de los colores.

Una vez que hayamos conseguido esto, podemos, ahora sí, pensar en contrastar la foto con la herramienta de contraste. En los photoshops más nuevos, nos podemos encontrar con que hay varios presets dentro de las herramientas, dentro de la herramienta curvas (que es la que vamos a usar para contrastar mediante una nueva capa de ajuste) el preset que os recomiendo es “contraste lineal” o “linear contrast” porque da un contraste muy suave pero eficaz.

Ademas recordar que todas estas capas de ajuste con las que estamos modificando nuestra foto pueden reducirse de opacidad si en algún momento os parece que el resultado es más potente del que habíais deseado.

Espero que os sirva de ayuda y que podáis practicar y mejorar fotos que tengáis por ahí abandonadas (como yo con mi libélula)

😀

Los tonos cálidos y el tratamiento de los negros en el efecto vintage

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Hoy en día está muy de moda el intentar hacer fotografías actuales con un efecto vintage (de cámara analógica antigua). Este efecto en las fotografías tiene un encanto especial, añade un valor histórico, emotivo, de carácter a las fotografías tomadas con cámaras digitales actuales, las cuales, precisan tomar la realidad tal cual es, de la forma más fidedigna posible.

Parte del encanto de la fotografía vintage son sus colores que, aunque pueden hacerse tanto en tonos cálidos como en fríos, pero con los cálidos es más sencillo conseguir el efecto requerido.

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Ya os enseñé en la entrada anterior como cambiar tonalidades, así que una buena manera de darle calidez a una foto es con el equilibrio de color o con los mapas de degradado sencillos, pero como muchos me habéis preguntado cómo trabajo el color, os voy a enseñar otra manera de tratar los colores.

Para poder trabajar con gamas de color, lo mejor es utilizar la capa de ajuste de “corrección selectiva”

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De esta manera podremos tratar los colores por gamas de forma independiente (los rojos, amarillos, azules…) con distintas escalas de colores primarios y una última escala de negros (que nos puede ayudar a dar y reducir contraste)

Las fotografías vintage en color solían tener mucha saturación, hay que manejarlo bien para que los colores queden intensos, pero sin que lleguen a estar sobre-saturados y desentonen demasiado en la foto y, sobretodo, si nos decidimos por los colores cálidos, o los colores fríos, intentemos que no desentonen unos con otros.

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Cuando hablamos de las fotografías en blanco y negro, una forma de darles efecto vintage es “lavando” los negros, quitándoles contraste. Así como con el color, podéis usar la máscara de capa de corrección selectiva, seleccionar los negros y modificar la escala de negros hacia la izquierda, donde se podría decir que “quitamos negro a los negros”. También podemos hacerlo con las fotografías en color, pero nos quedarán los negros más “grises”. 

Sin embargo, si queremos que esos negros “lavados” tengan un ligero toque de color lo mejor que podemos usar es, de nuevo, una capa de ajuste de mapa de degradado.

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En este caso, lo ideal será tener mapas de degradado de colores muy oscuros (azul marino-negro, granate oscuro-negro, morado oscuro-negro…) y ponerlos en modo “aclarar”, de esta forma, los negros, automaticamente, quedarán lavados con un ligero toque del color elegido. A veces, según los colores que hayan sido usados en el mapa de degradado, pueden quedar unos negros muy lavados, muy opacos, que molesten en nuestra imagen, en ese caso deberemos modificar la opacidad de la capa hasta que esté a nuestro gusto.

Aquí tenéis otros ejemplos:

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Blanco y negro con virados en color

Esta fue una de las primeras dudas que me preguntaron cuando abrí el blog, así que será la primera que responda y espero que os sea de mucha ayuda.

Hay muchas personas aficionadas al blanco y negro puro, el blanco y negro es un estilo que si está bien dominado, puede crear unas fotografías maravillosas, pero también es cierto que hay imágenes que aun siendo monocromáticas, si tienen un toque de color pueden inspirar sensaciones diferentes. Sea como fuere, para los fans de los virados de color de blanco y negro, aquí van un par de maneras para hacerlos de forma sencilla con photoshop.

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El primer paso es abrir nuestra fotografía en blanco y negro con photoshop y duplicar la capa (el duplicado no es obligatorio, pero siempre viene bien trabajar así)

Una vez hecho esto, vamos a pasar al primer método de hacerlo, con una capa de ajuste de “color balance” o balance de color.

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Se nos abrirá este pequeño menú (yo trabajo con photoshop cs6 así que si tenéis otro photoshop es probable que la imagen no sea exactamente así) como veis hay 3 escalas de color diferentes y por defecto se pos pondrá en midtones ( o tonos medios) pero podéis modificar también los tonos altos o los tonos en sombra con los diferentes colores. Sólo tenéis que ir probando, moviendo esos pequeños cursores hasta que encontréis el virado de color que os gusta. Recordad que al ser una capa de ajuste podéis modificar la opacidad al gusto.

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Podéis modificar si queréis sólo uno de los canales, o los tres, podéis modificar tanto los tonos medios, como los claros o los oscuros en adición.

Otra forma de hacer esto es mediante mapas de degradado. Os voy a enseñar a hacerlo con los que vienen predeterminados con photoshop (así que todos los tendréis)

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Como veis en esta captura de pantalla, arriba a la derecha vemos el mapa de degradado. Podéis ponerlo así o a la inversa en función de vuestra necesidad. Hay varios mapas de degradado predeterminados para que podáis elegir, pero recordar que debéis ponerlo como una “capa de ajuste” para poder modificar luego la opacidad al gusto. Con el mapa de degradado conseguimos que uno de los lados del degradado afecte a las luces y el otro a las sombras. O a los tonos altos y los bajos desplegándose en la foto a modo de “mapa”.

También quiero deciros, que para los virados concretamente, los mejores modos de capa que podéis usar con el mapa de degradado es el de luz suave y el de color.

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Como veis, en ambos he bajado la opacidad al 50% porque si no el resultado me parecía muy artificial, pero eso depende del gusto del fotógrafo y del efecto que quiera conseguir.

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Como veis, en estas dos capturas de mapa de degradado, el mapa es el mismo, pero por el cambio de modo de capa de “luz suave” a “color” el efecto es distinto aunque todos los otros parámetros sean iguales.

Ahora os toca a vosotros probar! Espero que os divirtáis mucho dando distintos efectos 🙂

Antes/después

Bueno, hoy un post sobretodo gráfico, os dejo con algunas de mis fotografías antes/después

¿Por qué este post? Porque quiero que me digáis cuales son vuestras dudas en los procesados, quiero que me deis temas que os interesen para desarrollar y daros una ayudita con el tema de fotografía y edición, espero que os guste y espero que me preguntéis vuestras dudas

(Una persona ya lo hizo, y para muy pronto estará el post de cómo hacer un blanco y negro con virado de color)

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Lo dicho, animaos a preguntar!!!

Espero que os haya gustado 😀

Iluminación “de andar por casa”

Los que ya me conocéis sabéis que no soy nada fan de los flashes o de la luz artificial (el sol es mi pastor… nada me falta), pero bien es sabido que en las largas épocas invernales algo hay que hacer si queremos seguir haciendo fotos a pesar de las limitaciones de tiempo en cuanto a horas de luz, así que, para los que no tengáis un dineral que gastaros en flashes, ventanas, reflectores y demás, os voy a dar algunos trucos para usar las luces que tengáis en vuestra casa o que sean asequibles para poder seguir trabajando con ellas.

El flexo

Un flexo es algo que todos tenemos en casa, por lo general suelen dar luz muy cálida y dura, lo que nos dará una luz focalizada que cree sombras oscuras y contrastes altos, podemos hacer algún difusor casero para evitarnos esto o sacarle partido:

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Estos son dos ejemplos de sombra oscura y luz dura que puede darnos un flexo. A veces las sombras no son deseadas, pero en estos casos le aportan a la imagen un extra de fuerza y dramatismo, así que viendo los resultados, podréis usar un flexo si buscáis una situación lumínica parecida.

Las bombillas clásicas 

Todos tenemos lámparas en casa, lámparas de techo, lámparas de pie… cuya iluminación generalmente es amarilla o anaranjada, o puede que algo más blanca si la bombilla es de bajo consumo, pero todas suelen ser cálidas, podemos contrarrestar esto desde nuestra cámara con un balance de blancos en modo tungsteno (que suele tener el símbolo de una bombillita) o, si tiramos en RAW podemos modificarlo luego desde programas de post-producción.

Según el tipo de lámpara que tengamos, nos dará una luz más difusa o nos dará una  luz más focalizada, debemos conocer las luces que tenemos en nuestra casa y el efecto que tienen sobre las superficies y las sombras que crean, una vez hecho esto, podemos experimentar con ellas:

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Aquí os dejo dos ejemplos de las luces que tengo en mi casa, la primera más difusa (ya que es de bola de papel) y la segunda más focalizada. Cada una teniendo su encanto.

Luces de navidad

Aquí llegamos a unas de las luces que más me gustan a la hora de trabajar el retrato artístico en el propio hogar, hay muchos tipos de luces de navidad, blancas, de color, con formas, aleatorias, intermitentes… a gusto del consumidor! Hay muchas maneras de usarlas para obtener distintas funciones de ellas.

Podemos usarlas como panel iluminador de forma que nos den una amplia y difusa fuente de luz:

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Estas imágenes están tomada en raw, sin ningún tipo de retoque, la diferencia abismal entre ellas en cuanto a a la iluminación y al matiz cálido de la foto, reside en que en la pared tengo colgadas las luces de navidad de forma que creen una fuente de luz amplia y difusa, como se puede ver, a penas se crean sombras en el rostro ni grandes contrastes, pero la diferencia de la atmósfera es notable y es un buen punto de partida para el retoque posterior.

Aunque sin duda lo mejor de estas luces es que se puede ser muy creativo con ellas!

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Estos son sólo algunos ejemplos de lo que se puede conseguir, deja volar tu imaginación 🙂

Luces independientes

Es probable que estas luces os suenen menos, yo las vi en Ikea hace un tiempo y decidí comprarme varias cajitas, no son muy caras, no recuerdo si 3 luces costaban unos 4 euros más o menos y siempre están bien, no sólo para la fotografía, sino como luces auxiliares en casa, dan una luz parecida a la que daría una vela pequeña, pero a cambio, son eléctricas. Son pequeñas y manejables, dan pequeños puntos de luz led que nos pueden resultar muy útiles a la hora de componer fotografías creativas. Algunas veces incluso, las uso dentro de farolillos para darle un toque más vintage a la foto.

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Velas 

Y como siempre, un clásico, no podemos olvidarnos del uso de las velas, a veces, nos pueden dar la iluminación por sí solas sin son muy grandes o si tenemos muchas, en otras ocasiones, quizá debamos tener una luz clásica de casa para darnos la iluminación general y que las velas estén creando ambiente, en cualquier caso, la luz de una vela, aunque sea simplemente para ambientar, siempre crea algo especial (eso sí, hay que tener cuidado, no sólo por el hecho de mantener las velas lejos de telas, cortinas y al tratar con fuego de no hacernos daño, sino también de la cera que pueden desprender y que luego es muy engorroso de limpiar)

Algunos ejemplos!

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Espero que este post os sirva de utilidad y de inspiración a la hora de trabajar dentro de vuestra propia casa, que nunca se os olvide que podemos tener mil accesorios al alcance de la mano para trabajar con la fotografía! 😉