El blanco no es simplemente blanco

Hace unas semanas tuve que enfrentarme a un gran reto como fotógrafa ¡El color blanco!

Tuve una triple sesión de unas… 6 horas, con una modelo genial Susan y una magnífica estilista Verónica e hicimos tres cambios de ropa y estilo en un día, todas con el mismo motivo: el color blanco.

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Estos son los tres estilismos que utilizamos ¡Pero sólo es un adelanto de todas las fotografías que voy a subir! (hicimos a montones)

Trabajar con el color blanco es complicado, tenemos que tener en cuenta que no se nos queme ninguna zona de la imagen, hay aparatos para medición de luz en estos casos, pero yo opté por hacerlo “a ojo” intentando tirar las fotos quizá un poco más oscuras de lo correcto, para no llevarme sustos luego a la hora de la post-producción.

Mi intención era darles aires diferentes, con virados de color distintos para diferenciar claramente los tres estilos.

Hada de las flores:

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La intención de esta sesión era una claramente: destacar las flores. Quería un inmenso mar blanco que acunara ese ramo de flores que prendían del vestido. Lo vi claro en cuanto la tuve delante, esas flores deberían destacar por encima de todo, eso y darle a la piel de la modelo un ligero color melocotón que la rescatase del fondo. Prueba conseguida 🙂

El vestido era un vestido de novia que Verónica adecuó a la sesión, un trabajo maravilloso! Contad con ella siempre que podáis, es excelente en lo que hace.

Hermes

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Tanto Susan como Verónica imaginaban este personaje como una bailarina con piel de nácar. Yo pensé automáticamente en el mensajero de los dioses, tan etéreo y con ese tocado de plumas así que… hicimos la mezcla y quedó genial 🙂

Este sí, fue el blanco más puro que pude conseguir, sin que se perdieran los matices, brillos y curvas de la tele y sin que perdiera protagonismo la modelo.

La reina de las nieves 

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Esta fue la idea primigenia desde la que surgieron todas las demás. Yo siempre vi a Susan como una reina de las nieves LA REINA DE LAS NIEVES.

Aquí lo vi claro, clarísimo, el virado en azul y los copos de nieve eran totalmente necesarios!

Todo el traje aquí fue hecho a mano y a medida por Susan y Verónica, montando pequeños copos de nieve y perlas sobre una base que iría pegada al cuerpo, una absoluta pieza única, increíble.

La corona también fue hecha a mano por la estilista, como lo fueron los tocados de los cambios anteriores y el maquillaje con perlas, que pronto os subiré en detalle, también fue absolutamente increíble!!

En una de mis entradas anteriores ya os hablé de los virados de color, espero que aun os acordéis!! Si no, aquí os la dejo. Aunque la hice sobre blanco y negro, es aplicable a cualquier tipo de foto!

Espero que os haya gustado y pronto más cositas! 😀

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¿Por qué es importante aprender a iluminar ojos con lentillas?

Muchos me habéis preguntado mil veces sobre cómo edito los ojos, sobre cómo trabajo con ellos para que queden bonitos y nítidos. Además del trabajo con el photoshop, que en mis fotografías es de vital importancia, lo más importante es tener una buena imagen base, con mucho enfoque, mucho detalle que nos permite trabajar después. Esto está muy bien con los ojos naturales pero… ¿Qué hacemos con las lentillas?
Cada día es más frecuente encontrar modelos que llevan lentillas, tanto lentillas normales como lentillas de fantasía, circle lenses o incluso sclera lenses (que llevan el ojo totalmente cubierto)

Estos ojos si los iluminamos con muchísima nitidez, al llevar lentillas, nos van a quedar muy artificiales así que con ellos tenemos que llevar un trabajo extra.

La nitidez es importante, sí, pero hay que recordar que no todas las lentillas se fusionan igual de bien con el ojo y que muchas son muy artificiales, otras, sin embargo, son más naturales. Si trabajamos con modelos que llevan lentillas y no estamos muy acostumbrados a trabajar con ellas, sería interesante pedirles que se pusieran las más naturales que tuvieran.

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Aquí podéis ver la diferencia del ojo sin nada y el ojo con la lentilla. En este caso son unas lentillas de Uniqso y me pedí unas que se fusionaran bien con el ojo, que le dieran forma y lo agrandaran, pero que no tuvieran definido el aro de la pupila ¿Por qué? Es más difícil trabajar en retrato con esos contornos tan nítidos. Si os encontráis con lentillas que tengan los contornos muy nítidos, quizá lo más fácil para retocar sea agrandar la pupila hasta el contorno de la lentilla, para que no se vea la diferencia tan radical con el iris de la modelo.

Si trabajáis el autorretrato, sería importante que tuvierais en cuenta el contorno de la pupila, lo grandes que son vuestros ojos, el color de los mismos y el acabado final que queréis antes de adquirir unas.

Si la iluminación es artificial o trabajáis con flash, es posible que la pupila también se contraiga mucho y os encontréis con el mismo problema, sin embargo al trabajar con luz natural, y el balance de blancos ajustado a vuestro tono de ojos (verdes y marrones un balance de blancos más cálido y ojos azules uno un poco más frío) podéis conseguir una fusión más suave.

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En la imagen de la izquierda usé mi foco de luz continua de 135w y en el de la derecha la luz de la ventana. Como veis se nota mucho más la diferencia con mi propio ojo en la fotografía tomada con el foco que en la que usa luz natural.

Recordad que, aunque parecen pequeños detalles, en los primeros planos tenéis que trabajar bien con esto para que los ojos queden lo más naturales posibles. Si no tenéis aun mucho rodaje con este tipo de retoque, siempre podéis tirar en planos más amplios donde los ojos no tengan tanto protagonismo ni tanto detalle y así ir avanzando poco a poco.

Espero que os haya resultado útil!!!

😀

Dar intensidad y profundidad a una foto

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Hace tiempo prometí daros algunos consejos para conseguir darle más intensidad y profundidad a una foto (como el ejemplo que tenemos ahí arriba)

Quiero compartir con todos el hecho de que como herramienta, dentro del propio photoshop, utilizo un plug-in que se llama “Color Efex pro” y que os animo a conseguir a todos porque os puede ayudar mucho a mejorar vuestro post-procesado a muchos niveles. Si decidís descargarlo y aprender a usarlo ya sabéis que podéis comentarme todas las dudas que tengáis y yo intentaré resolvéroslas, por ahora, voy a explicaros cómo se consiguen efectos como este utilizando las herramientas básicas de photoshop.

Lo primero en que nos fijamos al ver la foto de la izquierda es que tiene aspecto de estar “lavada” poco contrastada, pero es muy clara, así que un simple manejo de contraste puede llevarnos a quemar los blancos o a que la fotografía quede demasiado sobrecargada a la vista, así que os voy a ir dando unos pasos para ir consiguiendo más contraste in hacerlo de la forma sencilla y habitual.

Primero hemos de preocuparnos de trabajar los negros. Para eso, debemos poner una capa de ajuste de “corrección selectiva” o “selective color”

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Se os abrirá una pestaña como la siguiente

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Ahora,donde están seleccionados los rojos, seleccionaremos los negros

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Y en la última escala, la de abajo del todo podremos modificar los negros de nuestra foto para ponerlos más oscuros o más claros, es una buena forma de dar contraste a una foto sin tocar para nada los tonos más claros o el resto de colores.

Una vez hayamos hecho esto y nuestra foto haya ganado en profundidad (sin pasarnos, no queremos empastar los negros), vamos al siguiente paso, potenciar los colores.

Hay muchas maneras de hacerlo, en otros post os he enseñado cómo modificar colores, ya sea con el equilibrio de color o con la corrección selectiva (como con los negros, se  puede hacer con otras gamas de colores y modificarlas en sus básicos, amarillo, magenta, cyan), pero en las últimas versiones de photoshop (creo que de cs4 en adelante) tenemos otra herramienta, la herramienta “intensidad” o “vibrance”.

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En teoría esta herramienta lo que hace es potenciar, digamos como saturar, pero sin crear tantas aberraciones cromáticas, los colores que menos intensidad tienen en la foto, de alguna manera pretende “equiparar la intensidad” de todos los colores, pero si vamos potenciando más esta herramienta acabará por intensificar el total de los colores.

Una vez que hayamos conseguido esto, podemos, ahora sí, pensar en contrastar la foto con la herramienta de contraste. En los photoshops más nuevos, nos podemos encontrar con que hay varios presets dentro de las herramientas, dentro de la herramienta curvas (que es la que vamos a usar para contrastar mediante una nueva capa de ajuste) el preset que os recomiendo es “contraste lineal” o “linear contrast” porque da un contraste muy suave pero eficaz.

Ademas recordar que todas estas capas de ajuste con las que estamos modificando nuestra foto pueden reducirse de opacidad si en algún momento os parece que el resultado es más potente del que habíais deseado.

Espero que os sirva de ayuda y que podáis practicar y mejorar fotos que tengáis por ahí abandonadas (como yo con mi libélula)

😀

Los tonos cálidos y el tratamiento de los negros en el efecto vintage

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Hoy en día está muy de moda el intentar hacer fotografías actuales con un efecto vintage (de cámara analógica antigua). Este efecto en las fotografías tiene un encanto especial, añade un valor histórico, emotivo, de carácter a las fotografías tomadas con cámaras digitales actuales, las cuales, precisan tomar la realidad tal cual es, de la forma más fidedigna posible.

Parte del encanto de la fotografía vintage son sus colores que, aunque pueden hacerse tanto en tonos cálidos como en fríos, pero con los cálidos es más sencillo conseguir el efecto requerido.

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Ya os enseñé en la entrada anterior como cambiar tonalidades, así que una buena manera de darle calidez a una foto es con el equilibrio de color o con los mapas de degradado sencillos, pero como muchos me habéis preguntado cómo trabajo el color, os voy a enseñar otra manera de tratar los colores.

Para poder trabajar con gamas de color, lo mejor es utilizar la capa de ajuste de “corrección selectiva”

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De esta manera podremos tratar los colores por gamas de forma independiente (los rojos, amarillos, azules…) con distintas escalas de colores primarios y una última escala de negros (que nos puede ayudar a dar y reducir contraste)

Las fotografías vintage en color solían tener mucha saturación, hay que manejarlo bien para que los colores queden intensos, pero sin que lleguen a estar sobre-saturados y desentonen demasiado en la foto y, sobretodo, si nos decidimos por los colores cálidos, o los colores fríos, intentemos que no desentonen unos con otros.

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Cuando hablamos de las fotografías en blanco y negro, una forma de darles efecto vintage es “lavando” los negros, quitándoles contraste. Así como con el color, podéis usar la máscara de capa de corrección selectiva, seleccionar los negros y modificar la escala de negros hacia la izquierda, donde se podría decir que “quitamos negro a los negros”. También podemos hacerlo con las fotografías en color, pero nos quedarán los negros más “grises”. 

Sin embargo, si queremos que esos negros “lavados” tengan un ligero toque de color lo mejor que podemos usar es, de nuevo, una capa de ajuste de mapa de degradado.

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En este caso, lo ideal será tener mapas de degradado de colores muy oscuros (azul marino-negro, granate oscuro-negro, morado oscuro-negro…) y ponerlos en modo “aclarar”, de esta forma, los negros, automaticamente, quedarán lavados con un ligero toque del color elegido. A veces, según los colores que hayan sido usados en el mapa de degradado, pueden quedar unos negros muy lavados, muy opacos, que molesten en nuestra imagen, en ese caso deberemos modificar la opacidad de la capa hasta que esté a nuestro gusto.

Aquí tenéis otros ejemplos:

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Blanco y negro con virados en color

Esta fue una de las primeras dudas que me preguntaron cuando abrí el blog, así que será la primera que responda y espero que os sea de mucha ayuda.

Hay muchas personas aficionadas al blanco y negro puro, el blanco y negro es un estilo que si está bien dominado, puede crear unas fotografías maravillosas, pero también es cierto que hay imágenes que aun siendo monocromáticas, si tienen un toque de color pueden inspirar sensaciones diferentes. Sea como fuere, para los fans de los virados de color de blanco y negro, aquí van un par de maneras para hacerlos de forma sencilla con photoshop.

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El primer paso es abrir nuestra fotografía en blanco y negro con photoshop y duplicar la capa (el duplicado no es obligatorio, pero siempre viene bien trabajar así)

Una vez hecho esto, vamos a pasar al primer método de hacerlo, con una capa de ajuste de “color balance” o balance de color.

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Se nos abrirá este pequeño menú (yo trabajo con photoshop cs6 así que si tenéis otro photoshop es probable que la imagen no sea exactamente así) como veis hay 3 escalas de color diferentes y por defecto se pos pondrá en midtones ( o tonos medios) pero podéis modificar también los tonos altos o los tonos en sombra con los diferentes colores. Sólo tenéis que ir probando, moviendo esos pequeños cursores hasta que encontréis el virado de color que os gusta. Recordad que al ser una capa de ajuste podéis modificar la opacidad al gusto.

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Podéis modificar si queréis sólo uno de los canales, o los tres, podéis modificar tanto los tonos medios, como los claros o los oscuros en adición.

Otra forma de hacer esto es mediante mapas de degradado. Os voy a enseñar a hacerlo con los que vienen predeterminados con photoshop (así que todos los tendréis)

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Como veis en esta captura de pantalla, arriba a la derecha vemos el mapa de degradado. Podéis ponerlo así o a la inversa en función de vuestra necesidad. Hay varios mapas de degradado predeterminados para que podáis elegir, pero recordar que debéis ponerlo como una “capa de ajuste” para poder modificar luego la opacidad al gusto. Con el mapa de degradado conseguimos que uno de los lados del degradado afecte a las luces y el otro a las sombras. O a los tonos altos y los bajos desplegándose en la foto a modo de “mapa”.

También quiero deciros, que para los virados concretamente, los mejores modos de capa que podéis usar con el mapa de degradado es el de luz suave y el de color.

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Como veis, en ambos he bajado la opacidad al 50% porque si no el resultado me parecía muy artificial, pero eso depende del gusto del fotógrafo y del efecto que quiera conseguir.

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Como veis, en estas dos capturas de mapa de degradado, el mapa es el mismo, pero por el cambio de modo de capa de “luz suave” a “color” el efecto es distinto aunque todos los otros parámetros sean iguales.

Ahora os toca a vosotros probar! Espero que os divirtáis mucho dando distintos efectos 🙂

Antes/después

Bueno, hoy un post sobretodo gráfico, os dejo con algunas de mis fotografías antes/después

¿Por qué este post? Porque quiero que me digáis cuales son vuestras dudas en los procesados, quiero que me deis temas que os interesen para desarrollar y daros una ayudita con el tema de fotografía y edición, espero que os guste y espero que me preguntéis vuestras dudas

(Una persona ya lo hizo, y para muy pronto estará el post de cómo hacer un blanco y negro con virado de color)

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Lo dicho, animaos a preguntar!!!

Espero que os haya gustado 😀

Profundidad de campo ¿Directa o en post-producción?

Voy a empezar este post con un ejemplo de mi foto de ayer, la 3/365

little things 3/365

Según wikipedia, esto sería la profundidad de campo:

Por profundidad de campo se entiende tradicionalmente en óptica, y en fotografía en particular, la zona en la cual la imagen captada por elobjetivo es nítida (es decir enfocada), de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos.

Una definición más completa y exacta sobre la profundidad de campo sería : La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.

Depende de cuatro factores: el tamaño del círculo de confusión (y por tanto el formato y el tamaño de la impresión, además de la distancia de observación y de la capacidad resolutiva de cada observador), la distancia focal, el número f y la distancia de enfoque.
La profundidad de campo depende por tanto de la distancia focal. Se ha dicho anteriormente que la distancia focal no varía, por lo que la profundidad de campo tampoco, siempre y cuando de cada formato ampliemos una copia proporcional, y las veamos, tengan el tamaño que tengan, a la misma distancia.

 Y diciéndolo de forma coloquial, enfoque de fondo y desenfoque de fondo con respecto a una figura que queramos tener enfocada en primer plano.

Hay varias maneras de conseguir un bonito desenfoque, ya sea con una lente que nos permita tener una distancia focal más restringida (como un 50mm a f1.8 o f1.4) o haciendo “trampita” en la post-producción para imitar este efecto.

Como los objetivos hoy en día están un poco caros, yo os voy a dar algunos consejos sobre cómo conseguir un bonito desenfoque en post-producción con Photoshop.

Lo primero de todo es que tenemos que tener clara cual será la figura principal y el fondo, porque después tendremos que separarlos.

Para separar la figura del fondo lo primero que debemos hacer es crear dos capas diferenciadas, una puede ser con toda la foto y otra la figura enfocada, o podemos separar simplemente el fondo en una y la figura en otra.

La mejor manera de separarlas es por medio de máscaras. Tenemos la opción de crear máscara en el ps, es una herramienta rectangular con un círculo en medio, veremos cómo vamos seleccionando las zonas que queremos porque el pincel las coloreará de un rojo-naranja fosforescente. Luego volvemos a dar al icono, o al icono que tiene al lado (depende de la versión de ps) y veremos cómo las zonas coloreadas se han seleccionado, también podemos invertir esta selección mediante el botón selección -> invertir.

Ahora debemos desenfocar el fondo sin que nos quede un efecto demasiado falso. Hay varias herramientas de desenfoque en el photoshop, yo he probado algunas, pero por ahora con la que me quedo para desenfocar en este caso es con gaussian blur, o desenfoque gaussiano.

¿Por qué elijo este tipo de desenfoque? Porque es más suave, prefiero aplicar el filtro varias veces y ver cómo va aumentando de forma gradual, que elegir una única aplicación del filtro con un desenfoque demasiado agresivo.

También podéis usar el desenfoque de lente, puede ser efectivo en algunas tomas, o incluso un desenfoque radial sin demasiado movimiento, pero sigo recomendando el gaussiano. De todas formas es el momento de probar!

Después de hacer la separación y el desenfoque, es ideal que sigáis trabajando la foto con capas de ajuste, así, al llevar el mismo retoque, se irá unificando más la foto, sobretodo si el efecto no quedó tan “realista” como hubiera gustado. Aunque en este caso, quizá una buena forma de volver a hacer una composición más real de la fotografía sería difuminar los contornos de la figura del primer plano con la herramienta de desenfoque a poca opacidad.

Os dejo algunas fotografías en las que (a diferencia de la de arriba) llevan un desenfoque hecho en post-procesado. Si alguien decide probar esta técnica, os animo a que me dejéis por aquí vuestros proyectos!!

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