Cómo hacer retratos “de cine”

Los que ya conocéis mi trabajo sabéis que me inspiro mucho en el cine a la hora de trabajar el retrato en mis fotografías, no es una decisión que tome conscientemente, sino que, al ser una gran consumidora de cine al final tiendo siempre a “barrer para casa” de forma automática y a llevar mis retratos más personales a ese ámbito.

Hoy os voy a enseñar a qué prestar atención y en qué fijarnos si queremos que nuestros retratos parezcan sacados de una película.

1. Inspiración.

Ver mucho cine puede llevarnos a querer evocar de alguna manera nuestros personajes o escenas favoritas, inspirarse en el cine es una maravilla, pero recordar que el toque personal SIEMPRE tiene que acompañar a nuestro trabajo, nuestra visión de la vida, del personaje o de la escena

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Para mí, esta fue mi versión de Marla del Club de la lucha. Siempre quise hacer una versión de Marla diferente, y mi amiga Sabrina iba perfecta para el papel. Su atuendo no tiene nada que ver con la Marla original, y desde luego esa pared llena de texturas irregulares dista mucho de un lugar como en el que estaba Marla, pero creo que supo capturar su esencia a la perfección.

2. Sensación/sentimiento

Así como en otros tipos de retrato nos centramos en la nitidez, en que la persona salga favorecida, en el trabajo puramente estético, en este tipo de retratos es importante que se transmita un sentimiento. Quizá no es tan importante que la persona salga perfecta, favorecida, con un encuadre clásico, sino que la fotografía transmita algo diferente.

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La evasión, el dolor, pena, alegría, ira, soledad, calma…. todo vale si se puede transmitir. En algunos la sensación el sentimiento es más sutil y en otros más intenso, pero es importante captar un momento espontáneo, natural, que haga pensar al espectador.

3. Mood

Esto es algo que he visto mucho sobretodo en redes sociales de fotografía, mood sería algo así como el estado de ánimo, pero creo que engloba también lo que sería la… atmósfera anímica de la escena. Para esto os traigo dos ejemplos creo que bastante claros y opuestos.

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A la izquierda, tanto por el gesto de la modelo como por la gama de colores utilizados, el retrato se convierte en una escena de una peli tal vez romántica, una comedia romántica o una escena entrañable y alegre. A la izquierda nos transmitirá nostalgia, quizá pena, soledad o quizá algo más profundo y onírico. No sólo está la diferencia en el color/blanco y negro, en el cine, se ambientan las diferentes escenas en diferentes gamas de color para que nos transmita de forma subliminal ese “mood” los colores fríos, cálidos, los contrastes intensos, las escenas más oscuras frente a las más luminosas. Si tenemos claro qué tipo de “ánimo” queremos ponerle a nuestra foto, deberemos pensar en qué colores transmiten más esa atmósfera.

4. El género

Por último el género, es algo parecido al “mood” pero diferente, esto es más hacia la parte del personaje que hacía la parte anímica de la escena en sí. También elegir ¿Qué estilo queremos? Miedo, suspense, aventuras, fantasía… aquí es donde podemos soltar nuestra creatividad pensando en nuestro personaje.

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Estas son mis versiones de retratos de terror/misterio y el género policiaco (uno de mis favoritos). Como dije al principio, ver mucho cine ayuda mucho a la hora de coger ideas, a la hora de procesar nuestras fotografías y conseguir el efecto deseado en el resultado final.

Si tenéis dudas sobre el procesado de cualquiera de estas fotos podéis escribir un comentario o escribirme a un mensaje privado a: Nanihta Fotografía

Espero que os haya gustado 😀

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El blanco no es simplemente blanco

Hace unas semanas tuve que enfrentarme a un gran reto como fotógrafa ¡El color blanco!

Tuve una triple sesión de unas… 6 horas, con una modelo genial Susan y una magnífica estilista Verónica e hicimos tres cambios de ropa y estilo en un día, todas con el mismo motivo: el color blanco.

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Estos son los tres estilismos que utilizamos ¡Pero sólo es un adelanto de todas las fotografías que voy a subir! (hicimos a montones)

Trabajar con el color blanco es complicado, tenemos que tener en cuenta que no se nos queme ninguna zona de la imagen, hay aparatos para medición de luz en estos casos, pero yo opté por hacerlo “a ojo” intentando tirar las fotos quizá un poco más oscuras de lo correcto, para no llevarme sustos luego a la hora de la post-producción.

Mi intención era darles aires diferentes, con virados de color distintos para diferenciar claramente los tres estilos.

Hada de las flores:

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La intención de esta sesión era una claramente: destacar las flores. Quería un inmenso mar blanco que acunara ese ramo de flores que prendían del vestido. Lo vi claro en cuanto la tuve delante, esas flores deberían destacar por encima de todo, eso y darle a la piel de la modelo un ligero color melocotón que la rescatase del fondo. Prueba conseguida 🙂

El vestido era un vestido de novia que Verónica adecuó a la sesión, un trabajo maravilloso! Contad con ella siempre que podáis, es excelente en lo que hace.

Hermes

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Tanto Susan como Verónica imaginaban este personaje como una bailarina con piel de nácar. Yo pensé automáticamente en el mensajero de los dioses, tan etéreo y con ese tocado de plumas así que… hicimos la mezcla y quedó genial 🙂

Este sí, fue el blanco más puro que pude conseguir, sin que se perdieran los matices, brillos y curvas de la tele y sin que perdiera protagonismo la modelo.

La reina de las nieves 

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Esta fue la idea primigenia desde la que surgieron todas las demás. Yo siempre vi a Susan como una reina de las nieves LA REINA DE LAS NIEVES.

Aquí lo vi claro, clarísimo, el virado en azul y los copos de nieve eran totalmente necesarios!

Todo el traje aquí fue hecho a mano y a medida por Susan y Verónica, montando pequeños copos de nieve y perlas sobre una base que iría pegada al cuerpo, una absoluta pieza única, increíble.

La corona también fue hecha a mano por la estilista, como lo fueron los tocados de los cambios anteriores y el maquillaje con perlas, que pronto os subiré en detalle, también fue absolutamente increíble!!

En una de mis entradas anteriores ya os hablé de los virados de color, espero que aun os acordéis!! Si no, aquí os la dejo. Aunque la hice sobre blanco y negro, es aplicable a cualquier tipo de foto!

Espero que os haya gustado y pronto más cositas! 😀

Dar intensidad y profundidad a una foto

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Hace tiempo prometí daros algunos consejos para conseguir darle más intensidad y profundidad a una foto (como el ejemplo que tenemos ahí arriba)

Quiero compartir con todos el hecho de que como herramienta, dentro del propio photoshop, utilizo un plug-in que se llama “Color Efex pro” y que os animo a conseguir a todos porque os puede ayudar mucho a mejorar vuestro post-procesado a muchos niveles. Si decidís descargarlo y aprender a usarlo ya sabéis que podéis comentarme todas las dudas que tengáis y yo intentaré resolvéroslas, por ahora, voy a explicaros cómo se consiguen efectos como este utilizando las herramientas básicas de photoshop.

Lo primero en que nos fijamos al ver la foto de la izquierda es que tiene aspecto de estar “lavada” poco contrastada, pero es muy clara, así que un simple manejo de contraste puede llevarnos a quemar los blancos o a que la fotografía quede demasiado sobrecargada a la vista, así que os voy a ir dando unos pasos para ir consiguiendo más contraste in hacerlo de la forma sencilla y habitual.

Primero hemos de preocuparnos de trabajar los negros. Para eso, debemos poner una capa de ajuste de “corrección selectiva” o “selective color”

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Se os abrirá una pestaña como la siguiente

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Ahora,donde están seleccionados los rojos, seleccionaremos los negros

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Y en la última escala, la de abajo del todo podremos modificar los negros de nuestra foto para ponerlos más oscuros o más claros, es una buena forma de dar contraste a una foto sin tocar para nada los tonos más claros o el resto de colores.

Una vez hayamos hecho esto y nuestra foto haya ganado en profundidad (sin pasarnos, no queremos empastar los negros), vamos al siguiente paso, potenciar los colores.

Hay muchas maneras de hacerlo, en otros post os he enseñado cómo modificar colores, ya sea con el equilibrio de color o con la corrección selectiva (como con los negros, se  puede hacer con otras gamas de colores y modificarlas en sus básicos, amarillo, magenta, cyan), pero en las últimas versiones de photoshop (creo que de cs4 en adelante) tenemos otra herramienta, la herramienta “intensidad” o “vibrance”.

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En teoría esta herramienta lo que hace es potenciar, digamos como saturar, pero sin crear tantas aberraciones cromáticas, los colores que menos intensidad tienen en la foto, de alguna manera pretende “equiparar la intensidad” de todos los colores, pero si vamos potenciando más esta herramienta acabará por intensificar el total de los colores.

Una vez que hayamos conseguido esto, podemos, ahora sí, pensar en contrastar la foto con la herramienta de contraste. En los photoshops más nuevos, nos podemos encontrar con que hay varios presets dentro de las herramientas, dentro de la herramienta curvas (que es la que vamos a usar para contrastar mediante una nueva capa de ajuste) el preset que os recomiendo es “contraste lineal” o “linear contrast” porque da un contraste muy suave pero eficaz.

Ademas recordar que todas estas capas de ajuste con las que estamos modificando nuestra foto pueden reducirse de opacidad si en algún momento os parece que el resultado es más potente del que habíais deseado.

Espero que os sirva de ayuda y que podáis practicar y mejorar fotos que tengáis por ahí abandonadas (como yo con mi libélula)

😀