Ganar viralidad en las redes sociales

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Desde hace un tiempo algunos me han preguntado cuál es la mejor manera de ganar viralidad en las redes sociales, así que he pensado en hacer este post con algunos trucos en función de las redes sociales que conozco para que todos puedan mover un poquito más su trabajo con algo de constancia y desde sus casas.

Empezaré por Facebook

De todos es sabido que la política de facebook con las páginas o “fan pages” es que ahora muy pocos de los seguidores pueden realmente mirar el trabajo de las personas a las que siguen, un porcentaje muy pequeño es el que recibe toda la información, por esto es necesario que animemos a las personas que nos siguen a clickar en “recibir notificaciones”, recordar esto de vez en cuando desde nuestras páginas es importante. Además, yo, desde mi cuenta, promoví el hecho de intentar compartir el trabajo de compañeros y que ellos hagan lo mismo con los demás. Una foto se hace viral en facebook en función de los likes, comentarios y shares que tenga, así llegan a más gente, crear pequeños colectivos que se apoyen entre sí ayudará a todos a conseguir expandirse un poco más. Hacer sorteos, sondeos y preguntar la opinión de los demás sobre el contenido que subamos también incita a una mayor participación.

También hay páginas de facebook que tienen contenido compartido, donde enviando nuestras fotografías podremos conseguir que las compartan y lleguen a más gente, grupos y comunidades de fotografía, páginas de revistas o temas comunes… dedicando un tiempo a buscar las que más coincidan con nuestro estilo, conseguiremos conocer a más personas interesadas en él y dar más visión a nuestro trabajo.

Seguiré con Instagram

Instagram empecé a usarlo bien hace relativamente poco tiempo, estaba muy perdida y fue una compañera Anne Broflowski (creo recordar) quien me dio las primeras nociones de cómo conseguir seguidores en esta red. En esta red es de VITAL importancia lo que tiene que ver con las etiquetas. Además de poner las etiquetas más icónicas de nuestra fotografía, hay que saber que hay cuentas con miles de seguidores que se dedican a publicar las fotografías de otros, mencionándoles, siempre que sigas la cuenta y pongas su etiqueta particular, así etiquetas como #oceanmurmurs #featuremeval y otras muchas te pueden llevar a ser publicado en cuentas multitudinarias y ganar seguidores. No por ponerlas será seguro que te publiquen, pero tendrás una oportunidad por cada foto y cada etiqueta de llegar a más personas. Si buscas más de estas etiquetas, en la opción de explorar (como una pequeña lupa) busca “feature” y te saldrán varias páginas que ofrecen lo mismo.

Y, para terminar, las más icónicas dentro del trabajo fotográfico, 500px y Flickr

Aquí, siento deciros, que no hay muchos trucos, estas redes sociales se basan básicamente en el feedback entre usuarios. Hay que dedicarles tiempo con cierta frecuencia para meter las fotos en grupos,  conseguir seguidores y comentar sus fotos, o darles al like o ponerlas en favoritas (dependiendo de si es 500px o flickr) es importante también el etiquetaje de las fotografías, más en flickr que en 500px, pero es importante, ya que no sólo las búsquedas de usuarios se basan en ellas, sino las búsquedas de la administración de las páginas cuando quieren hacer publicaciones desde la dirección o entradas en los blogs de dichas páginas. Así, si tus fotos están bien etiquetadas, podrás tener una opción a que te publiciten cuando tu estilo de fotografía sea el señalado para sus secciones o sus entradas y post.

 

Espero que os haya sido útil y ya sabéis, seguid preguntándome, que yo estaré encantada de echaros una mano

 

😀

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Los tonos cálidos y el tratamiento de los negros en el efecto vintage

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Hoy en día está muy de moda el intentar hacer fotografías actuales con un efecto vintage (de cámara analógica antigua). Este efecto en las fotografías tiene un encanto especial, añade un valor histórico, emotivo, de carácter a las fotografías tomadas con cámaras digitales actuales, las cuales, precisan tomar la realidad tal cual es, de la forma más fidedigna posible.

Parte del encanto de la fotografía vintage son sus colores que, aunque pueden hacerse tanto en tonos cálidos como en fríos, pero con los cálidos es más sencillo conseguir el efecto requerido.

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Ya os enseñé en la entrada anterior como cambiar tonalidades, así que una buena manera de darle calidez a una foto es con el equilibrio de color o con los mapas de degradado sencillos, pero como muchos me habéis preguntado cómo trabajo el color, os voy a enseñar otra manera de tratar los colores.

Para poder trabajar con gamas de color, lo mejor es utilizar la capa de ajuste de “corrección selectiva”

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De esta manera podremos tratar los colores por gamas de forma independiente (los rojos, amarillos, azules…) con distintas escalas de colores primarios y una última escala de negros (que nos puede ayudar a dar y reducir contraste)

Las fotografías vintage en color solían tener mucha saturación, hay que manejarlo bien para que los colores queden intensos, pero sin que lleguen a estar sobre-saturados y desentonen demasiado en la foto y, sobretodo, si nos decidimos por los colores cálidos, o los colores fríos, intentemos que no desentonen unos con otros.

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Cuando hablamos de las fotografías en blanco y negro, una forma de darles efecto vintage es “lavando” los negros, quitándoles contraste. Así como con el color, podéis usar la máscara de capa de corrección selectiva, seleccionar los negros y modificar la escala de negros hacia la izquierda, donde se podría decir que “quitamos negro a los negros”. También podemos hacerlo con las fotografías en color, pero nos quedarán los negros más “grises”. 

Sin embargo, si queremos que esos negros “lavados” tengan un ligero toque de color lo mejor que podemos usar es, de nuevo, una capa de ajuste de mapa de degradado.

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En este caso, lo ideal será tener mapas de degradado de colores muy oscuros (azul marino-negro, granate oscuro-negro, morado oscuro-negro…) y ponerlos en modo “aclarar”, de esta forma, los negros, automaticamente, quedarán lavados con un ligero toque del color elegido. A veces, según los colores que hayan sido usados en el mapa de degradado, pueden quedar unos negros muy lavados, muy opacos, que molesten en nuestra imagen, en ese caso deberemos modificar la opacidad de la capa hasta que esté a nuestro gusto.

Aquí tenéis otros ejemplos:

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Iluminación “de andar por casa”

Los que ya me conocéis sabéis que no soy nada fan de los flashes o de la luz artificial (el sol es mi pastor… nada me falta), pero bien es sabido que en las largas épocas invernales algo hay que hacer si queremos seguir haciendo fotos a pesar de las limitaciones de tiempo en cuanto a horas de luz, así que, para los que no tengáis un dineral que gastaros en flashes, ventanas, reflectores y demás, os voy a dar algunos trucos para usar las luces que tengáis en vuestra casa o que sean asequibles para poder seguir trabajando con ellas.

El flexo

Un flexo es algo que todos tenemos en casa, por lo general suelen dar luz muy cálida y dura, lo que nos dará una luz focalizada que cree sombras oscuras y contrastes altos, podemos hacer algún difusor casero para evitarnos esto o sacarle partido:

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Estos son dos ejemplos de sombra oscura y luz dura que puede darnos un flexo. A veces las sombras no son deseadas, pero en estos casos le aportan a la imagen un extra de fuerza y dramatismo, así que viendo los resultados, podréis usar un flexo si buscáis una situación lumínica parecida.

Las bombillas clásicas 

Todos tenemos lámparas en casa, lámparas de techo, lámparas de pie… cuya iluminación generalmente es amarilla o anaranjada, o puede que algo más blanca si la bombilla es de bajo consumo, pero todas suelen ser cálidas, podemos contrarrestar esto desde nuestra cámara con un balance de blancos en modo tungsteno (que suele tener el símbolo de una bombillita) o, si tiramos en RAW podemos modificarlo luego desde programas de post-producción.

Según el tipo de lámpara que tengamos, nos dará una luz más difusa o nos dará una  luz más focalizada, debemos conocer las luces que tenemos en nuestra casa y el efecto que tienen sobre las superficies y las sombras que crean, una vez hecho esto, podemos experimentar con ellas:

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Aquí os dejo dos ejemplos de las luces que tengo en mi casa, la primera más difusa (ya que es de bola de papel) y la segunda más focalizada. Cada una teniendo su encanto.

Luces de navidad

Aquí llegamos a unas de las luces que más me gustan a la hora de trabajar el retrato artístico en el propio hogar, hay muchos tipos de luces de navidad, blancas, de color, con formas, aleatorias, intermitentes… a gusto del consumidor! Hay muchas maneras de usarlas para obtener distintas funciones de ellas.

Podemos usarlas como panel iluminador de forma que nos den una amplia y difusa fuente de luz:

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Estas imágenes están tomada en raw, sin ningún tipo de retoque, la diferencia abismal entre ellas en cuanto a a la iluminación y al matiz cálido de la foto, reside en que en la pared tengo colgadas las luces de navidad de forma que creen una fuente de luz amplia y difusa, como se puede ver, a penas se crean sombras en el rostro ni grandes contrastes, pero la diferencia de la atmósfera es notable y es un buen punto de partida para el retoque posterior.

Aunque sin duda lo mejor de estas luces es que se puede ser muy creativo con ellas!

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Estos son sólo algunos ejemplos de lo que se puede conseguir, deja volar tu imaginación 🙂

Luces independientes

Es probable que estas luces os suenen menos, yo las vi en Ikea hace un tiempo y decidí comprarme varias cajitas, no son muy caras, no recuerdo si 3 luces costaban unos 4 euros más o menos y siempre están bien, no sólo para la fotografía, sino como luces auxiliares en casa, dan una luz parecida a la que daría una vela pequeña, pero a cambio, son eléctricas. Son pequeñas y manejables, dan pequeños puntos de luz led que nos pueden resultar muy útiles a la hora de componer fotografías creativas. Algunas veces incluso, las uso dentro de farolillos para darle un toque más vintage a la foto.

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Velas 

Y como siempre, un clásico, no podemos olvidarnos del uso de las velas, a veces, nos pueden dar la iluminación por sí solas sin son muy grandes o si tenemos muchas, en otras ocasiones, quizá debamos tener una luz clásica de casa para darnos la iluminación general y que las velas estén creando ambiente, en cualquier caso, la luz de una vela, aunque sea simplemente para ambientar, siempre crea algo especial (eso sí, hay que tener cuidado, no sólo por el hecho de mantener las velas lejos de telas, cortinas y al tratar con fuego de no hacernos daño, sino también de la cera que pueden desprender y que luego es muy engorroso de limpiar)

Algunos ejemplos!

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Espero que este post os sirva de utilidad y de inspiración a la hora de trabajar dentro de vuestra propia casa, que nunca se os olvide que podemos tener mil accesorios al alcance de la mano para trabajar con la fotografía! 😉

Profundidad de campo ¿Directa o en post-producción?

Voy a empezar este post con un ejemplo de mi foto de ayer, la 3/365

little things 3/365

Según wikipedia, esto sería la profundidad de campo:

Por profundidad de campo se entiende tradicionalmente en óptica, y en fotografía en particular, la zona en la cual la imagen captada por elobjetivo es nítida (es decir enfocada), de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos.

Una definición más completa y exacta sobre la profundidad de campo sería : La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.

Depende de cuatro factores: el tamaño del círculo de confusión (y por tanto el formato y el tamaño de la impresión, además de la distancia de observación y de la capacidad resolutiva de cada observador), la distancia focal, el número f y la distancia de enfoque.
La profundidad de campo depende por tanto de la distancia focal. Se ha dicho anteriormente que la distancia focal no varía, por lo que la profundidad de campo tampoco, siempre y cuando de cada formato ampliemos una copia proporcional, y las veamos, tengan el tamaño que tengan, a la misma distancia.

 Y diciéndolo de forma coloquial, enfoque de fondo y desenfoque de fondo con respecto a una figura que queramos tener enfocada en primer plano.

Hay varias maneras de conseguir un bonito desenfoque, ya sea con una lente que nos permita tener una distancia focal más restringida (como un 50mm a f1.8 o f1.4) o haciendo “trampita” en la post-producción para imitar este efecto.

Como los objetivos hoy en día están un poco caros, yo os voy a dar algunos consejos sobre cómo conseguir un bonito desenfoque en post-producción con Photoshop.

Lo primero de todo es que tenemos que tener clara cual será la figura principal y el fondo, porque después tendremos que separarlos.

Para separar la figura del fondo lo primero que debemos hacer es crear dos capas diferenciadas, una puede ser con toda la foto y otra la figura enfocada, o podemos separar simplemente el fondo en una y la figura en otra.

La mejor manera de separarlas es por medio de máscaras. Tenemos la opción de crear máscara en el ps, es una herramienta rectangular con un círculo en medio, veremos cómo vamos seleccionando las zonas que queremos porque el pincel las coloreará de un rojo-naranja fosforescente. Luego volvemos a dar al icono, o al icono que tiene al lado (depende de la versión de ps) y veremos cómo las zonas coloreadas se han seleccionado, también podemos invertir esta selección mediante el botón selección -> invertir.

Ahora debemos desenfocar el fondo sin que nos quede un efecto demasiado falso. Hay varias herramientas de desenfoque en el photoshop, yo he probado algunas, pero por ahora con la que me quedo para desenfocar en este caso es con gaussian blur, o desenfoque gaussiano.

¿Por qué elijo este tipo de desenfoque? Porque es más suave, prefiero aplicar el filtro varias veces y ver cómo va aumentando de forma gradual, que elegir una única aplicación del filtro con un desenfoque demasiado agresivo.

También podéis usar el desenfoque de lente, puede ser efectivo en algunas tomas, o incluso un desenfoque radial sin demasiado movimiento, pero sigo recomendando el gaussiano. De todas formas es el momento de probar!

Después de hacer la separación y el desenfoque, es ideal que sigáis trabajando la foto con capas de ajuste, así, al llevar el mismo retoque, se irá unificando más la foto, sobretodo si el efecto no quedó tan “realista” como hubiera gustado. Aunque en este caso, quizá una buena forma de volver a hacer una composición más real de la fotografía sería difuminar los contornos de la figura del primer plano con la herramienta de desenfoque a poca opacidad.

Os dejo algunas fotografías en las que (a diferencia de la de arriba) llevan un desenfoque hecho en post-procesado. Si alguien decide probar esta técnica, os animo a que me dejéis por aquí vuestros proyectos!!

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Proyecto 365

Muchos de vosotros ya habréis oído hablar de este proyecto, tal vez muchos lo hayáis intentado y otros aun no sepáis qué es, pero yo acabo de iniciar uno y os voy a contar un poco a qué se refiere.

Un proyecto 365 días trata de hacer una foto cada día durante un año. Parece simple como idea, pero son muchos días y muchas fotos y puede resultar tedioso, complicado y a veces bastante duro.

Hay muchos tipos de 365, puedes hacer unos sencillo en el que te permitas hacer una foto cada día de cualquier cosa, retratos, fotos callejeras, paisajes… un poco de todo y luego podemos encontrar los 365 temáticos. El más popular es el 365 de auto-retratos. Así muchas personas se retratan durante un año entero para poder ver los cambios reales que hay en ellos durante ese tiempo. Hay personas que se dejan crecer el pelo durante un año, que atraviesan algún cambio en su vida como un cambio de residencia, de trabajo, viajes… para tener constancia de la evolución.

En mi caso he iniciado un proyecto de 365 sobre la belleza de las cosas pequeñas, de lo cotidiano, por ahora voy por el segundo día y éstas son las fotos que tengo subidas en flickr (en el flickr alternativo que me he hecho para este proyecto.

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El mejor consejo a la hora de emprender un proyecto como este (o un 52 semanas) es mantener alta la motivación. Compartir el proyecto con otras personas que estén en él o iniciarlo junto a alguien puede darte un empujoncito en esos días en los que no se te ocurre qué cosas fotografiar.

Hay muchos lugares en internet donde puedes ver ejemplos de 365 de otras personas, también en diversas redes, como en flickr, podemos encontrar grupos donde hay otras muchas personas que lo están haciendo donde puedes inspirarte.

También es importante no ser excesivamente exigente con uno mismo, lo ideal sería hacer una fotografía al día, pero todos tenemos días más complicados, más ajetreados, o donde por complicaciones técnicas no podemos hacer una foto. Para estos días es de gran ayuda tener algo en nuestro archivo que cuadre con el proyecto y que podamos incluir para no perder la linealidad del proyecto o, simplemente, esperar y retomarlo después de unos días cuando las condiciones sean más favorables.

Si alguno de vosotros ha hecho, está haciendo o quiere comenzar un 365 os animo a que me lo dejéis por aquí!

http://www.flickr.com/photos/94627325@N03/

Aquí os dejo la cuenta de flickr donde lo voy a hacer, ya os iré subiendo las fotos una por una y contandoos las pequeñas historias y los trucos que use en cada una de ellas! Espero que os guste!

Autorretrato. Primeros pasos.

Para todos los que me conocen, es de sobra sabido, que uno de mis principales estilos en la fotografía es el autorretrato. Muchas personas me han preguntado diversos tipos de dudas sobre esto, y creo que va siendo hora de daros algunos consejos, sobretodo a los que estáis empezando a practicar este estilo.

El primer accesorio para la cámara que tiene que tener cualquier fotógrafo que quiera dedicarse al auto-retrato es un disparador remoto. Por supuesto que puede hacerse sin él, pero el proceso es mucho más laborioso, tenemos que pensar en poner la cámara en X segundos de espera, colocar algo en el sitio en el que querremos colocarnos nosotros después para que la cámara enfoque, cambiar de sitio con el objeto, esperar… y todo para tener una foto (o como mucho tres si lo permiten algunas cámaras), es agotador y frustrante, por eso recomiendo el control remoto. Ahora bien ¿Cuál?

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Esta es una foto del making of de una de mis últimas sesiones, como veis, en mi mano está el disparador remoto. Éste es el último que adquirí y por ahora es el que mejores cualidades tiene, ya que dispara en disparo único, ráfaga y tiene opción de disparar sin tener que poner la opción de infrarrojos en la cámara.

¿Por qué?

Porque es un tipo de disparador que consta de dos dispositivos, un emisor de infrarrojos que está enchufado directamente a la cámara y el receptor, el mando que tengo en la mano, que recibe los infrarrojos y permite disparar.

Por lo general con los disparadores más baratos (estos pequeños manditos con un único botón que pesan poco y puedes meter en cualquier parte) tienes que enchufar con el dispositivo directamente hacia la cámara, lo que hace que, muchas veces, el disparador salga en la foto y si no sale en la foto, cuesta mucho más que la señal llegue y el autorretrato sea como nosotros queremos.

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En esta foto le estaba demostrando a mi compañera Marina López que, con mi disparador, era innecesario tener que estar apuntando a la cámara. Como veis, mi mano está totalmente fuera de la imagen, ni recuerdo exactamente a dónde apuntaba, pero desde luego a la cámara no era. También, como veis, se me ve de cuerpo completo ¡Y podría alejarme mucho más! Este tipo de dispositivos tienen un alcance de hasta 100 metros si las condiciones ambientales son buenas, por lo tanto nos da una gran libertad a la hora de retratarnos si lo que queremos es hacerlo en contextos complejos, en lugares de difícil acceso para una cámara y un trípode o, por ejemplo, en el agua.

Este tipo de disparadores remotos son mucho más caros, pero asequibles, hay muchas marcas blancas (extranjeras sobretodo) que nos brindan la posibilidad de adquirirlos a unos 30 euros más o menos (eso sí, hay que tener un pequeño fondito para pilas porque esas sí son caras si le damos un uso muy frecuente).

¿La principal ventaja? Que de esta manera realmente podemos estar coordinados como modelos y como fotógrafos, ya que a la hora de hacer ‘click’ cuando el dedo aprieta el botón del mando es como si apretase realmente el de la cámara, por ello ganaremos calidad de enfoque y será más complicado que no estemos en el momento justo en el sitio justo o que haya problemas a la hora de posar y que el disparador no quiera comunicarse con la cámara. Incluso podremos hacer el proceso con el disparador metido en el bolsillo, hará su trabajo igual.

Os animo a todos los que queréis empezar en este estilo a que os hagáis con uno de estos mandos, muchos de los problemas iniciales que pudierais tener en referente a los otros estilos de hacer autorretrato desaparecerán de golpe y podréis ser más creativos y hacer más pruebas sin que el tiempo de espera de disparo os saque de quicio.

En ebay encontrareis muchas ofertas para haceros con uno ¿A qué estáis esperando?

🙂

Blanco y negro en el retrato

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Cuando hablamos del blanco y negro en el mundo del retrato, no debemos pensar sólo en que la ausencia de color muchas veces centra la atención en el gesto, en los detalles de la expresión, en los rasgos del sujeto, sino también en que es otra forma de darle una atmósfera especial a nuestro retrato.

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Un retrato en claves altas (en high key) manteniendo el blanco y negro, nos puede proporcionar una imagen más “pura” digamos, con un aura más inocente, más frágil, más delicada. Hay muchas maneras de conseguir este tipo de efecto, desde utilizar en el photoshop capas de ajustes en blanco y negro con diferentes filtros (en función del color de la imagen base). Hasta utilizar mapas de degradados en tonos claros o en modos de más exposición (como trama, por ejemplo)

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Si por el contrario queremos darle más fuerza, más dramatismo, hacerla más impactante, quizá deberíamos decantarnos por una clave más baja (low key). Las claves bajas son más utilizadas en fotografía social o fotografía callejera, porque permiten darle más impacto a las imágenes, destacando más las sombras, las arrugas….

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También podemos darle un aire vintage a nuestras fotos haciendo que los negros dejen de ser tan negros y estén un poco más “lavados” dando este curioso efecto. La forma que yo tengo para conseguirlo es utilizar con el photoshop una capa de ajuste de mapas de degradado (en colores oscuros) puesta en modo aclarar. Así se levantarán los negros. Eso sí, para que no quede muy artificial en algunos casos, es conveniente vigilar la opacidad.

Como podeis apreciar, en algunas de estas fotos, los blancos y negros no son totalmente puros, sino que a veces tienen un ligero toque de color. Los virados en blanco y negro a diferentes tonos también pueden crear atmósfera, algunos ejemplos:

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