Consejos para una fotografía bien enfocada! + una foto inédita :D

Últimamente me han preguntado sobre el enfoque en mis fotografías. La verdad es que es un tema que siempre me trae de cabeza porque me gusta conseguir el enfoque más perfecto que puedo (siempre contando con el equipo que tengo, que poco a poco se va quedando un poco atrás).

Actualmente trabajo con una Canon EOS 7D y con un objetivo Tamron 18-200 con estabilizador que me compré bastante económico hace poquito. En cuanto a iluminación, trabajo o bien con luz natural o con un foco de luz continua con ventana de 135w (antes tenía dos, pero eso es otra historia ya…)

Hace poco tuve mi última sesión (por ahora) con iluminación artificial, aquí os dejo una foto del making of que hizo Marina López con su móvil mientras grababa con la cámara la sesión. Como veis el esquema de iluminación es bastante simple, pero funcionó correctamente ya que la habitación era estrecha y blanca y por lo tanto la luz se reflejaba bastante bien por todas partes.Captura de pantalla 2016-07-30 a las 17.29.46

¿Por qué os hablo de la luz cuando debería hablar del enfoque? Porque la luz es vital para todo amigos míos. Para el enfoque, también.

Cuando trabajo con modelos, es esencialmente importante, al menos para mí, usar la ráfaga rápida de mi cámara cuando disparo. Muchos fotógrafos aconsejan no hacerlo, porque es llenar inútilmente la tarjeta de la cámara, porque es hacer trabajar a la cámara de una forma extra, pero yo no trabajo con modelos profesionales de poses estudiadas. Trabajo con amigos, familia o modelos amateur y lo que busco en ellos es la naturalidad, espontaneidad y captar cada mínimo gesto que pueda gustarme. Porque sí, es un hecho, las personas se mueven. Gesticulan, ríen, tienen ráfagas de timidez, así que:

TRUCO NÚMERO 1: Si trabajas con modelos sin experiencia profesional o si buscas captar cada instante en cada gesto, usa la ráfaga si no tienes demasiada luz. ¿Por qué? Si cuentas con una buenísima iluminación quizá esto no te haga falta, puedes ir disparando cada vez que quieras, sabiendo que una fotografía no saldrá movida, no tendrá un pequeño halo de distorsión, no pillarás un gesto a medias, dado que podrás disparar a gran velocidad. Pero si, como yo, trabajas a diferentes horas del día o con poco material de iluminación artificial, no tengas miedo y usa la ráfaga!

TRUCO NÚMERO 2: Usa un buen trípode. Es raro dar este consejo porque yo no suelo usarlo. Odio el trípode. No me deja moverme como a mí me gustaría y eso me pone muy nerviosa, así que acabo tirando el trípode por cualquier parte, pero eso me ha enseñado a hacer con mi cuerpo mis propios trípodes. No es ni la mitad de fiable (véase el punto 1), pero me da un apoyo extra y algo de fiabilidad que no tendría disparando a pulso. Ahí arriba podéis ver cómo estaba disparando y la iluminación que tenía, este es el resultado:

Captura de pantalla 2016-07-30 a las 17.27.30

Como veis, el resultado es más que decente. Pero, de nuevo, si no sois unos maniáticos del movimiento como yo, haceros con un buen trípode!

TRUCO NÚMERO 3: Tiempo de exposición. Cuanto más corto, mejor. Para el enfoque es así de sencillo, al menos para mí. Esto nos lleva a otros dilemas ¿Qué hago entonces? ¿Subo la ISO? ¿Añado más iluminación como buenamente pueda? Pues veamos, sí y SÍ. ¿Por qué el primero en minúsculas y el segundo en mayúsculas? Porque dependiendo de la cámara que tengas, subiendo mucho el ISO tendrás mucho ruido en tu imagen. Eso puede limpiarse después en post-producción, pero el resultado va a depender de cuánto ruido hubiera en la imagen y la pericia que cada uno tenga a la hora de quitarlo con programas de edición. Sin embargo, añadir luz de forma artificial siempre te puede ayudar a poder permitirte tiempos de exposición más cortos, el disparo será más rápido y tu enfoque mejorará. Añadir luz también hará que aprendas a utilizar diferentes esquemas de luz para preparar tus fotografías. Puedes encontrar en muchos sitios esquemas de luz ya aconsejados por otros fotógrafos o, si tienes tiempo y creatividad, puedes ir probando poco a poco hasta conseguir tus favoritos.

TRUCO NÚMERO 4: No tengas miedo a meterle mano al enfoque. ¿Es necesario usar siempre el enfoque automático? La respuesta es no. Seguro que a muchos os ha pasado más de una vez (porque a mí me ha pasado) que, al fiarnos del enfoque automático nos hemos encontrado que la cámara ha enfocado donde le ha dado la real gana. La cámara no sabe necesariamente qué queremos nosotros que salga enfocado, al fin y al cabo no es la cámara la que hace las fotos no? Es el fotógrafo. Dependiendo de la maña que tenga cada uno y del tiempo que pueda invertir nos encontramos varias opciones.

  1. Presiona el botón de la cámara hasta la mitad y observa dónde está enfocando antes de ponerte a disparar. Quizá tengas que moverte, cambiar tu ángulo o quitar objetos de la escena (si los hubiera) que distraigan la atención de tu sujeto. No termines de disparar hasta que no veas que la cámara señala como enfocado lo que tú quieres enfocar.
  2. Intenta un enfoque intermedio, mitad automático pero guiado. Dependiendo de qué cámara tengas podrás hacerlo desde una parte del menú o de otra, pero muchas cámaras réflex tienen la opción de que puedas elegir, dentro de toda la zona de la fotografía, en qué área quieres que se centre el enfoque. Dependiendo de los puntos de enfoque de tu cámara tendrás más o menos opciones.
  3. Para los verdaderamente mañosos o expertos, el enfoque manual. Aquí no hay truco del almendruco, aquí está tu vista y tu maña, tendrás que ir enfocando manualmente, con cuidado y despacito hasta que puedas ver lo que tú quieres enfocado nítidamente enfocado, entonces ¡Dispara!

 

Seguramente encontréis consejos muchísimo más profesionales de fotógrafos mucho más profesionales que yo, pero yo siempre os doy mis consejos desde mi experiencia, desde alguien que disfruta de la fotografía y que trabaja de una forma más amateur.

Aquí os dejo algunos otros resultados de la última sesión!

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Por supuesto y si queréis, puedo hacer otra entrada sobre cómo mejorar el enfoque de vuestras fotografías con post-producción! Ya me decís lo que necesitéis!

Espero que os haya sido de ayuda 😀

Ya sabéis que podéis preguntarme lo que queráis desde mi Facebook, mi Ask y seguir mis trabajos en Instagram.

 

El blanco no es simplemente blanco

Hace unas semanas tuve que enfrentarme a un gran reto como fotógrafa ¡El color blanco!

Tuve una triple sesión de unas… 6 horas, con una modelo genial Susan y una magnífica estilista Verónica e hicimos tres cambios de ropa y estilo en un día, todas con el mismo motivo: el color blanco.

Captura de pantalla 2015-04-13 a las 19.36.39

Estos son los tres estilismos que utilizamos ¡Pero sólo es un adelanto de todas las fotografías que voy a subir! (hicimos a montones)

Trabajar con el color blanco es complicado, tenemos que tener en cuenta que no se nos queme ninguna zona de la imagen, hay aparatos para medición de luz en estos casos, pero yo opté por hacerlo “a ojo” intentando tirar las fotos quizá un poco más oscuras de lo correcto, para no llevarme sustos luego a la hora de la post-producción.

Mi intención era darles aires diferentes, con virados de color distintos para diferenciar claramente los tres estilos.

Hada de las flores:

Captura de pantalla 2015-04-28 a las 16.09.40

La intención de esta sesión era una claramente: destacar las flores. Quería un inmenso mar blanco que acunara ese ramo de flores que prendían del vestido. Lo vi claro en cuanto la tuve delante, esas flores deberían destacar por encima de todo, eso y darle a la piel de la modelo un ligero color melocotón que la rescatase del fondo. Prueba conseguida 🙂

El vestido era un vestido de novia que Verónica adecuó a la sesión, un trabajo maravilloso! Contad con ella siempre que podáis, es excelente en lo que hace.

Hermes

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Tanto Susan como Verónica imaginaban este personaje como una bailarina con piel de nácar. Yo pensé automáticamente en el mensajero de los dioses, tan etéreo y con ese tocado de plumas así que… hicimos la mezcla y quedó genial 🙂

Este sí, fue el blanco más puro que pude conseguir, sin que se perdieran los matices, brillos y curvas de la tele y sin que perdiera protagonismo la modelo.

La reina de las nieves 

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Esta fue la idea primigenia desde la que surgieron todas las demás. Yo siempre vi a Susan como una reina de las nieves LA REINA DE LAS NIEVES.

Aquí lo vi claro, clarísimo, el virado en azul y los copos de nieve eran totalmente necesarios!

Todo el traje aquí fue hecho a mano y a medida por Susan y Verónica, montando pequeños copos de nieve y perlas sobre una base que iría pegada al cuerpo, una absoluta pieza única, increíble.

La corona también fue hecha a mano por la estilista, como lo fueron los tocados de los cambios anteriores y el maquillaje con perlas, que pronto os subiré en detalle, también fue absolutamente increíble!!

En una de mis entradas anteriores ya os hablé de los virados de color, espero que aun os acordéis!! Si no, aquí os la dejo. Aunque la hice sobre blanco y negro, es aplicable a cualquier tipo de foto!

Espero que os haya gustado y pronto más cositas! 😀

¿Por qué es importante aprender a iluminar ojos con lentillas?

Muchos me habéis preguntado mil veces sobre cómo edito los ojos, sobre cómo trabajo con ellos para que queden bonitos y nítidos. Además del trabajo con el photoshop, que en mis fotografías es de vital importancia, lo más importante es tener una buena imagen base, con mucho enfoque, mucho detalle que nos permite trabajar después. Esto está muy bien con los ojos naturales pero… ¿Qué hacemos con las lentillas?
Cada día es más frecuente encontrar modelos que llevan lentillas, tanto lentillas normales como lentillas de fantasía, circle lenses o incluso sclera lenses (que llevan el ojo totalmente cubierto)

Estos ojos si los iluminamos con muchísima nitidez, al llevar lentillas, nos van a quedar muy artificiales así que con ellos tenemos que llevar un trabajo extra.

La nitidez es importante, sí, pero hay que recordar que no todas las lentillas se fusionan igual de bien con el ojo y que muchas son muy artificiales, otras, sin embargo, son más naturales. Si trabajamos con modelos que llevan lentillas y no estamos muy acostumbrados a trabajar con ellas, sería interesante pedirles que se pusieran las más naturales que tuvieran.

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Aquí podéis ver la diferencia del ojo sin nada y el ojo con la lentilla. En este caso son unas lentillas de Uniqso y me pedí unas que se fusionaran bien con el ojo, que le dieran forma y lo agrandaran, pero que no tuvieran definido el aro de la pupila ¿Por qué? Es más difícil trabajar en retrato con esos contornos tan nítidos. Si os encontráis con lentillas que tengan los contornos muy nítidos, quizá lo más fácil para retocar sea agrandar la pupila hasta el contorno de la lentilla, para que no se vea la diferencia tan radical con el iris de la modelo.

Si trabajáis el autorretrato, sería importante que tuvierais en cuenta el contorno de la pupila, lo grandes que son vuestros ojos, el color de los mismos y el acabado final que queréis antes de adquirir unas.

Si la iluminación es artificial o trabajáis con flash, es posible que la pupila también se contraiga mucho y os encontréis con el mismo problema, sin embargo al trabajar con luz natural, y el balance de blancos ajustado a vuestro tono de ojos (verdes y marrones un balance de blancos más cálido y ojos azules uno un poco más frío) podéis conseguir una fusión más suave.

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En la imagen de la izquierda usé mi foco de luz continua de 135w y en el de la derecha la luz de la ventana. Como veis se nota mucho más la diferencia con mi propio ojo en la fotografía tomada con el foco que en la que usa luz natural.

Recordad que, aunque parecen pequeños detalles, en los primeros planos tenéis que trabajar bien con esto para que los ojos queden lo más naturales posibles. Si no tenéis aun mucho rodaje con este tipo de retoque, siempre podéis tirar en planos más amplios donde los ojos no tengan tanto protagonismo ni tanto detalle y así ir avanzando poco a poco.

Espero que os haya resultado útil!!!

😀

Ganar viralidad en las redes sociales

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Desde hace un tiempo algunos me han preguntado cuál es la mejor manera de ganar viralidad en las redes sociales, así que he pensado en hacer este post con algunos trucos en función de las redes sociales que conozco para que todos puedan mover un poquito más su trabajo con algo de constancia y desde sus casas.

Empezaré por Facebook

De todos es sabido que la política de facebook con las páginas o “fan pages” es que ahora muy pocos de los seguidores pueden realmente mirar el trabajo de las personas a las que siguen, un porcentaje muy pequeño es el que recibe toda la información, por esto es necesario que animemos a las personas que nos siguen a clickar en “recibir notificaciones”, recordar esto de vez en cuando desde nuestras páginas es importante. Además, yo, desde mi cuenta, promoví el hecho de intentar compartir el trabajo de compañeros y que ellos hagan lo mismo con los demás. Una foto se hace viral en facebook en función de los likes, comentarios y shares que tenga, así llegan a más gente, crear pequeños colectivos que se apoyen entre sí ayudará a todos a conseguir expandirse un poco más. Hacer sorteos, sondeos y preguntar la opinión de los demás sobre el contenido que subamos también incita a una mayor participación.

También hay páginas de facebook que tienen contenido compartido, donde enviando nuestras fotografías podremos conseguir que las compartan y lleguen a más gente, grupos y comunidades de fotografía, páginas de revistas o temas comunes… dedicando un tiempo a buscar las que más coincidan con nuestro estilo, conseguiremos conocer a más personas interesadas en él y dar más visión a nuestro trabajo.

Seguiré con Instagram

Instagram empecé a usarlo bien hace relativamente poco tiempo, estaba muy perdida y fue una compañera Anne Broflowski (creo recordar) quien me dio las primeras nociones de cómo conseguir seguidores en esta red. En esta red es de VITAL importancia lo que tiene que ver con las etiquetas. Además de poner las etiquetas más icónicas de nuestra fotografía, hay que saber que hay cuentas con miles de seguidores que se dedican a publicar las fotografías de otros, mencionándoles, siempre que sigas la cuenta y pongas su etiqueta particular, así etiquetas como #oceanmurmurs #featuremeval y otras muchas te pueden llevar a ser publicado en cuentas multitudinarias y ganar seguidores. No por ponerlas será seguro que te publiquen, pero tendrás una oportunidad por cada foto y cada etiqueta de llegar a más personas. Si buscas más de estas etiquetas, en la opción de explorar (como una pequeña lupa) busca “feature” y te saldrán varias páginas que ofrecen lo mismo.

Y, para terminar, las más icónicas dentro del trabajo fotográfico, 500px y Flickr

Aquí, siento deciros, que no hay muchos trucos, estas redes sociales se basan básicamente en el feedback entre usuarios. Hay que dedicarles tiempo con cierta frecuencia para meter las fotos en grupos,  conseguir seguidores y comentar sus fotos, o darles al like o ponerlas en favoritas (dependiendo de si es 500px o flickr) es importante también el etiquetaje de las fotografías, más en flickr que en 500px, pero es importante, ya que no sólo las búsquedas de usuarios se basan en ellas, sino las búsquedas de la administración de las páginas cuando quieren hacer publicaciones desde la dirección o entradas en los blogs de dichas páginas. Así, si tus fotos están bien etiquetadas, podrás tener una opción a que te publiciten cuando tu estilo de fotografía sea el señalado para sus secciones o sus entradas y post.

 

Espero que os haya sido útil y ya sabéis, seguid preguntándome, que yo estaré encantada de echaros una mano

 

😀

Profundidad de campo ¿Directa o en post-producción?

Voy a empezar este post con un ejemplo de mi foto de ayer, la 3/365

little things 3/365

Según wikipedia, esto sería la profundidad de campo:

Por profundidad de campo se entiende tradicionalmente en óptica, y en fotografía en particular, la zona en la cual la imagen captada por elobjetivo es nítida (es decir enfocada), de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos.

Una definición más completa y exacta sobre la profundidad de campo sería : La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.

Depende de cuatro factores: el tamaño del círculo de confusión (y por tanto el formato y el tamaño de la impresión, además de la distancia de observación y de la capacidad resolutiva de cada observador), la distancia focal, el número f y la distancia de enfoque.
La profundidad de campo depende por tanto de la distancia focal. Se ha dicho anteriormente que la distancia focal no varía, por lo que la profundidad de campo tampoco, siempre y cuando de cada formato ampliemos una copia proporcional, y las veamos, tengan el tamaño que tengan, a la misma distancia.

 Y diciéndolo de forma coloquial, enfoque de fondo y desenfoque de fondo con respecto a una figura que queramos tener enfocada en primer plano.

Hay varias maneras de conseguir un bonito desenfoque, ya sea con una lente que nos permita tener una distancia focal más restringida (como un 50mm a f1.8 o f1.4) o haciendo “trampita” en la post-producción para imitar este efecto.

Como los objetivos hoy en día están un poco caros, yo os voy a dar algunos consejos sobre cómo conseguir un bonito desenfoque en post-producción con Photoshop.

Lo primero de todo es que tenemos que tener clara cual será la figura principal y el fondo, porque después tendremos que separarlos.

Para separar la figura del fondo lo primero que debemos hacer es crear dos capas diferenciadas, una puede ser con toda la foto y otra la figura enfocada, o podemos separar simplemente el fondo en una y la figura en otra.

La mejor manera de separarlas es por medio de máscaras. Tenemos la opción de crear máscara en el ps, es una herramienta rectangular con un círculo en medio, veremos cómo vamos seleccionando las zonas que queremos porque el pincel las coloreará de un rojo-naranja fosforescente. Luego volvemos a dar al icono, o al icono que tiene al lado (depende de la versión de ps) y veremos cómo las zonas coloreadas se han seleccionado, también podemos invertir esta selección mediante el botón selección -> invertir.

Ahora debemos desenfocar el fondo sin que nos quede un efecto demasiado falso. Hay varias herramientas de desenfoque en el photoshop, yo he probado algunas, pero por ahora con la que me quedo para desenfocar en este caso es con gaussian blur, o desenfoque gaussiano.

¿Por qué elijo este tipo de desenfoque? Porque es más suave, prefiero aplicar el filtro varias veces y ver cómo va aumentando de forma gradual, que elegir una única aplicación del filtro con un desenfoque demasiado agresivo.

También podéis usar el desenfoque de lente, puede ser efectivo en algunas tomas, o incluso un desenfoque radial sin demasiado movimiento, pero sigo recomendando el gaussiano. De todas formas es el momento de probar!

Después de hacer la separación y el desenfoque, es ideal que sigáis trabajando la foto con capas de ajuste, así, al llevar el mismo retoque, se irá unificando más la foto, sobretodo si el efecto no quedó tan “realista” como hubiera gustado. Aunque en este caso, quizá una buena forma de volver a hacer una composición más real de la fotografía sería difuminar los contornos de la figura del primer plano con la herramienta de desenfoque a poca opacidad.

Os dejo algunas fotografías en las que (a diferencia de la de arriba) llevan un desenfoque hecho en post-procesado. Si alguien decide probar esta técnica, os animo a que me dejéis por aquí vuestros proyectos!!

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Proyecto 365

Muchos de vosotros ya habréis oído hablar de este proyecto, tal vez muchos lo hayáis intentado y otros aun no sepáis qué es, pero yo acabo de iniciar uno y os voy a contar un poco a qué se refiere.

Un proyecto 365 días trata de hacer una foto cada día durante un año. Parece simple como idea, pero son muchos días y muchas fotos y puede resultar tedioso, complicado y a veces bastante duro.

Hay muchos tipos de 365, puedes hacer unos sencillo en el que te permitas hacer una foto cada día de cualquier cosa, retratos, fotos callejeras, paisajes… un poco de todo y luego podemos encontrar los 365 temáticos. El más popular es el 365 de auto-retratos. Así muchas personas se retratan durante un año entero para poder ver los cambios reales que hay en ellos durante ese tiempo. Hay personas que se dejan crecer el pelo durante un año, que atraviesan algún cambio en su vida como un cambio de residencia, de trabajo, viajes… para tener constancia de la evolución.

En mi caso he iniciado un proyecto de 365 sobre la belleza de las cosas pequeñas, de lo cotidiano, por ahora voy por el segundo día y éstas son las fotos que tengo subidas en flickr (en el flickr alternativo que me he hecho para este proyecto.

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El mejor consejo a la hora de emprender un proyecto como este (o un 52 semanas) es mantener alta la motivación. Compartir el proyecto con otras personas que estén en él o iniciarlo junto a alguien puede darte un empujoncito en esos días en los que no se te ocurre qué cosas fotografiar.

Hay muchos lugares en internet donde puedes ver ejemplos de 365 de otras personas, también en diversas redes, como en flickr, podemos encontrar grupos donde hay otras muchas personas que lo están haciendo donde puedes inspirarte.

También es importante no ser excesivamente exigente con uno mismo, lo ideal sería hacer una fotografía al día, pero todos tenemos días más complicados, más ajetreados, o donde por complicaciones técnicas no podemos hacer una foto. Para estos días es de gran ayuda tener algo en nuestro archivo que cuadre con el proyecto y que podamos incluir para no perder la linealidad del proyecto o, simplemente, esperar y retomarlo después de unos días cuando las condiciones sean más favorables.

Si alguno de vosotros ha hecho, está haciendo o quiere comenzar un 365 os animo a que me lo dejéis por aquí!

http://www.flickr.com/photos/94627325@N03/

Aquí os dejo la cuenta de flickr donde lo voy a hacer, ya os iré subiendo las fotos una por una y contandoos las pequeñas historias y los trucos que use en cada una de ellas! Espero que os guste!

Autorretrato. Primeros pasos.

Para todos los que me conocen, es de sobra sabido, que uno de mis principales estilos en la fotografía es el autorretrato. Muchas personas me han preguntado diversos tipos de dudas sobre esto, y creo que va siendo hora de daros algunos consejos, sobretodo a los que estáis empezando a practicar este estilo.

El primer accesorio para la cámara que tiene que tener cualquier fotógrafo que quiera dedicarse al auto-retrato es un disparador remoto. Por supuesto que puede hacerse sin él, pero el proceso es mucho más laborioso, tenemos que pensar en poner la cámara en X segundos de espera, colocar algo en el sitio en el que querremos colocarnos nosotros después para que la cámara enfoque, cambiar de sitio con el objeto, esperar… y todo para tener una foto (o como mucho tres si lo permiten algunas cámaras), es agotador y frustrante, por eso recomiendo el control remoto. Ahora bien ¿Cuál?

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Esta es una foto del making of de una de mis últimas sesiones, como veis, en mi mano está el disparador remoto. Éste es el último que adquirí y por ahora es el que mejores cualidades tiene, ya que dispara en disparo único, ráfaga y tiene opción de disparar sin tener que poner la opción de infrarrojos en la cámara.

¿Por qué?

Porque es un tipo de disparador que consta de dos dispositivos, un emisor de infrarrojos que está enchufado directamente a la cámara y el receptor, el mando que tengo en la mano, que recibe los infrarrojos y permite disparar.

Por lo general con los disparadores más baratos (estos pequeños manditos con un único botón que pesan poco y puedes meter en cualquier parte) tienes que enchufar con el dispositivo directamente hacia la cámara, lo que hace que, muchas veces, el disparador salga en la foto y si no sale en la foto, cuesta mucho más que la señal llegue y el autorretrato sea como nosotros queremos.

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En esta foto le estaba demostrando a mi compañera Marina López que, con mi disparador, era innecesario tener que estar apuntando a la cámara. Como veis, mi mano está totalmente fuera de la imagen, ni recuerdo exactamente a dónde apuntaba, pero desde luego a la cámara no era. También, como veis, se me ve de cuerpo completo ¡Y podría alejarme mucho más! Este tipo de dispositivos tienen un alcance de hasta 100 metros si las condiciones ambientales son buenas, por lo tanto nos da una gran libertad a la hora de retratarnos si lo que queremos es hacerlo en contextos complejos, en lugares de difícil acceso para una cámara y un trípode o, por ejemplo, en el agua.

Este tipo de disparadores remotos son mucho más caros, pero asequibles, hay muchas marcas blancas (extranjeras sobretodo) que nos brindan la posibilidad de adquirirlos a unos 30 euros más o menos (eso sí, hay que tener un pequeño fondito para pilas porque esas sí son caras si le damos un uso muy frecuente).

¿La principal ventaja? Que de esta manera realmente podemos estar coordinados como modelos y como fotógrafos, ya que a la hora de hacer ‘click’ cuando el dedo aprieta el botón del mando es como si apretase realmente el de la cámara, por ello ganaremos calidad de enfoque y será más complicado que no estemos en el momento justo en el sitio justo o que haya problemas a la hora de posar y que el disparador no quiera comunicarse con la cámara. Incluso podremos hacer el proceso con el disparador metido en el bolsillo, hará su trabajo igual.

Os animo a todos los que queréis empezar en este estilo a que os hagáis con uno de estos mandos, muchos de los problemas iniciales que pudierais tener en referente a los otros estilos de hacer autorretrato desaparecerán de golpe y podréis ser más creativos y hacer más pruebas sin que el tiempo de espera de disparo os saque de quicio.

En ebay encontrareis muchas ofertas para haceros con uno ¿A qué estáis esperando?

🙂